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Cinq branches de coton noir pour rÃ©Ã©crire avec force lâ€™Histoire : Â« Dans ce Stratego proposÃ© par lâ€™Histoire, en filigranes, il y a cette idÃ©e quâ€™il y a des imbÃ©ciles dans tous les camps Â»

Cinq branches de coton noir, ça peut paraître bien maigre pour tenir la route dans une histoire qui fait des kilomètres, traverse des décennies et fait couler le sang. Car l’héroïsme en est fait, malheureusement. Et celui que nous content avec brio Yves Sente et Steve Cuzor dépasse de loin le simple but d’un être humain mais celui d’une nation qui continue de s’éparpiller malgré la guerre qui exigerait que tout le monde soit soudé. C’est une aventure qui dépasse aussi le simple courage et la mortalité que nous propose le duo. Rencontre dans l’ombre du Stars and Stripes. Le tout premier du nom.

Bonjour à tous les deux. Avant toute chose, face à un nouvel album de BD, deux choses nous saisissent, la couverture et le titre. Et pour le coup, le titre que vous avez trouvé est fameux, énigmatique et pourtant si symbolique des 150 planches dans lesquelles nous allons nous immerger.

Yves Sente : Pourtant ce n’était pas mon premier titre. Le premier fut refusé. Sur le chemin du retour à Bruxelles, j’ai eu cinq heures et, sous la pression, j’ai accouché de ce deuxième titre, et sa symbolique, notamment l’esclavage. Je suis content de l’avoir trouvé.

Et le premier titre, quel était-il ?

Yves Sente : Un titre plus coup de poing : l’étoile nègre, par analogie à l’étoile juive pendant la Seconde Guerre Mondiale. Ça n’est pas passé auprès de l’éditeur qui avait peur des procès d’intention que feraient les lecteurs en voyant le livre et sans même prendre la peine de l’ouvrir.

Et malheureusement, tout aussi formidable le titre soit-il, on ne peut que comprendre ces craintes à l’heure de l’emporte-pièce et du tohu-bohu polémique reposant souvent sur trois fois rien.

Yves : Mais ça ne m’a pas dérangé de changer, je ne voulais pas la jouer provoc’ et n’ai pas eu de regret. Pour tout dire, Il s’appelait Ptirou n’était pas non plus mon premier titre. Les premiers titres ne sont pas toujours les meilleurs !

Comment vous êtes-vous rencontré tous les deux ?

Steve Cuzor : Un scénario qui est tombé dans ma boîte mail, envoyé par Reynold Leclercq, éditeur chez Casterman. Ça m’a très vite parlé et on s’est fixé un rendez-vous en Bretagne, à Rennes, où Reynold et Yves ont débarqué.

Rencontre qui, quelques années plus tard, donne lieu à ce pavé. Pas moins de 150 planches. Vous n’avez pas voulu séquencer ?

Steve : C’était ce qui était prévu : deux tomes. Mais ça me gênait, il me semblait que cette histoire tenait en un souffle, un volume. D’autant plus que, quand on regarde le monde de la BD, les lecteurs sont très vite demandeurs d’une intégrale. Alors, au moment de signer chez Dupuis, on est parti sur le format one-shot. Ce qui fut, mine de rien, un marathon de 150 pages, avec un dessin exigent. Mais, c’est tombé à un moment où je pouvais me le permettre.

Après, du Washington de 1776 ou de la Seconde Guerre Mondiale, je n’avais traité aucun de ces sujets jusque-là. Il a fallu que je m’immerge, avec un gros boulot documentaire. De la part d’Yves aussi, j’ai trouvé mon écriture à travers les documents qu’il m’a fait parvenir. Après, le début est toujours plus long , il faut découvrir et apprendre à connaître ses personnages. Arrivé dans les Ardennes, j’étais super détendu. Je pense que j’aurais moins appris si j’avais dû faire trois volumes de cinquante planches.

Et les dernières dizaines de planches, c’est un sprint non.

Steve : Pas que l’histoire s’accélère mais j’ai trouvé mon rythme, je ne me pose plus de question et je sais où on va. Cela dit, si ces scènes avaient ouvert l’histoire, je me serais peut-être planté. Mais là, je n’avais plus que la neige comme décor, le brouillard, le froid. La fin, j’y rentre comme une libération. Je n’ai plus qu’à penser à bien faire, mais en le faisant efficacement. Il faut lâcher les chevaux.

D’ailleurs, loin des planches, vous avez une carrière dans le rodéo, vous en avez retiré quelque chose dans votre métier d’auteur ?

Steve : En tout cas, à ne jamais stresser, surtout en période de négociation de contrat. Je ne lâche rien et je défends chèrement mon morceau. C’est mon côté maquignon. Mais sinon, ce sont quand même deux univers qui n’ont rien en commun.

Un récit de guerre, c’est une première dans votre bibliographie, Yves !

Yves : C’est parti de Grzegorz Rosinski qui voulait que je lui écrive un récit de guerre. Il a changé d’avis en cours de route mais avait réussi à mettre mon cerveau en ébullition. Ce qui n’est pas dur, vous savez à quel point tout scénariste de BD veut un jour réaliser une histoire sur la guerre ou un western. Mais, dans le récit de guerre, quoiqu’on fasse, on a toujours des points de comparaisons avec d’autres oeuvres. Avec Cinq branches de coton noir, ce fut les Monuments Men qui ont connu leur succès au cinéma, dans le film de George Clooney, deux ans après que j’aie mis un point final à mon scénario. Forcément, quand ce genre de chose arrive, nous, scénariste que nous sommes, avons toujours peur qu’un autre ait utilisé le filon avant nous. Heureusement, ce n’était pas le cas. Puis, il faut dire que parmi mes sources, j’avais utilisé le livre de Robert M. Edsel dont est tiré le film.

En fait, pour mon histoire de quête du premier drapeau américain par des soldats afro, j’avais besoin d’un alibi pour que mes personnages soient libres dans le cadre de la guerre, qu’ils ne soient pas enfermés dans un régiment dont ils auraient dû suivre faits et gestes. Le tout sans les priver de passer par l’incontournable lieu du débarquement : Omaha Beach. Et les Monuments Men étaient cet alibi, peu importe qu’ils n’aient jamais compté de chasseurs de trésor noirs parmi leurs membres.

Et une envie: être irréprochable face aux historiens.

Yves : Oui, plus que dans un XIII ou un Blake et Mortimer, c’est un plaisir, un jeu de faire en sorte que ce que je raconte soit crédible, béton. Je recherche à plonger dans un trou de l’Histoire avec un grand H mais tout en respectant ce qui entoure ce trou. De façon à ce que personne ne puisse vérifier que c’est une fiction.

Mieux, de façon à ce que si je disais que tout est vrai, personne ne serait capable de prouver le contraire. Comme dans Fargo, le film des frères Cohen, qui s’ouvre sur un bandeau annonçant : « Ceci est une histoire vraie. Ces événements ont eu lieu dans le Minnesota en 1987. À la demande des survivants, les noms ont été changés. Par respect pour les morts, le reste est décrit exactement comme cela s’est déroulé. » Pourtant, on a du mal à y croire, tout part tellement en vrille, c’est incroyable mais c’est un très bon moment. Puis, sur les bonus du dvd, je suis tombé sur l’interview d’Ethan et Joel qui racontaient, à la question d’un journaliste, que non, du tout, ce n’était pas une histoire vraie. Quel culot, dire que tout le monde avait regardé ce film aussi loufoque soit-il en pensant qu’il était véridique. Ce jour-là, j’ai pris une leçon. Comme je n’ai jamais compris pourquoi le Da Vinci Code de Dan Brown avait reçu des mauvaises critiques disant qu’il racontait n’importe quoi. Mais c’est un roman génial, une fiction, c’est normal !

Ici, avec la dimension populaire de notre album, on voulait apporter un gage de qualité. Et des trucs énormes peuvent se passer, uniquement grâce au contexte, crédible. Ici, dans cette fiction, il y a cette quête d’une poignée de Noirs qui n’ont pour convaincre et recouvrir une certaine dignité.

Le tout sans prendre position. Vous laissez ce boulot-là au lecteur.

Steve : Ce n’est pas le but de donner la leçon, de faire la morale sur quoi que ce soit. Le constat, les États-Unis le font à chaque mandat. Puis, quand on écrit une histoire comme la nôtre, on est toujours sûr de rattraper la réalité. Regardez, le Ku Klux Klan qui réapparaît, c’est hallucinant. Il y a, aux USA, un mouvement constant d’aller-retour. C’est dingue à quel point on peut être fasciné par un pays qui est tout aussi agaçant. Il serait difficile et aberrant de dicter une morale. Ce qui m’intéresse, c’est ce côté paradoxal des frères ennemis. Quand il s’agit d’une question de couleurs, il n’y en a pas un pour rattraper l’autre. Pourtant, à la naissance, ils sont tous étrangers. Mais ils sont restés bloqués sur cette question. Leur étoile noire, persistante, c’est notre étoile jaune.

Vous savez, une guerre, c’est une crise, un conflit. Et si certains anciens, une fois la guerre finie, se sont assis autour d’une bonne bière à trinquer pour oublier ce qui étaient déjà des mauvais souvenirs; c’est le fatalisme, l’ennui qui amène le conflit. C’est dans un conflit qu’on se remet en question, qu’on recommence à réfléchir, à créer. À l’extérieur mais aussi à l’intérieur : notre positionnement par rapport à l’héroïsme, au dégoût de nous-même, les faiblesses, les qu’aurais-je fait. C’est de l’ordre de la théorie de comptoir mais c’est bizarre de constater que quand tout va bien, on s’emmerde et on n’a qu’une envie : que ça recommence. Le conflit nous ressemble, comme un miroir.

Ce n’est pas parce que c’est la mode de montrer des gens qui meurent mais un récit de guerre interroge qui on est au sein d’un conflit. Et c’est riche.

Yves : Nous ne sommes pas militants, pas donneurs de leçons. Mais, par notre petite expérience en Amérique, on veut montrer ce qu’on a ressenti, le fait que le racisme n’a pas de camp. Qu’il y a des noirs racistes, aussi. La connerie humaine n’est pas à sens unique, et faire du racisme à sens inverse, c’est contre-productif. Il ne s’agit pas de donner le rôle du méchant à un blanc pour se déculpabiliser de ce qu’on a commis. Dans ce Stratego proposé par l’Histoire, en filigranes, il y a cette idée qu’il y a des imbéciles dans tous les camps.

Puis, la réalité est bien plus complexe que les livres d’Histoire. Regardez Obama. Il n’était sans doute pas le Président dont la majorité de la population afro rêvait : il était éduqué, avait fait de prestigieuses études… D’ailleurs, les blacks ont voté pour Trump, un homme qui parle comme dans la rue, qui tweete comme tout le monde.

Venons-y à ce tout premier drapeau prétendument créé par Betsy Ross et disparu dans la nature! Quand on sait à quel point les Américains tiennent à leurs symboles et aiment les mettre en scène, il est incroyable qu’aucun auteur ou réalisateur ne se soit emparé de ce sujet romanesque par excellence !

Yves : C’est ce que je me suis dit : « pas possible, ça a déjà dû être fait ! » Je me suis mis à taper dans toutes les langues sur Google mais rien n’est sorti à part l’histoire de cette Betsy Ross. C’est dingue, parce que le Stars and Stripes, c’est un objet hautement symbolique. Beaucoup plus que chez nous !

Pour l’anecdote, à mes 18 ans, j’ai fait une seconde rhéto aux États-Unis. Profitant de la vie là-bas, j’avais été invité à une soirée. Et, à un moment, je suis tombé sur le père de mon hôte. En discutant, il a appris que j’étais un étranger et il m’a dit d’attendre et qu’il avait quelque chose pour moi. Une fois revenu, il m’a tendu un drapeau américain. D’un coup, il n’était plus saoul et, en me regardant droit dans le blanc des yeux, il m’a fait promettre une chose : que si le drapeau devait un jour toucher le sol, je le brûlerais ! Je trouve cet exemple tellement évocateur de l’attachement des Américains à leur drapeau. Leur Constitution prévoit même une série d’articles réglementant ce qu’on peut faire ou ne pas faire avec un drapeau.

Steve : Nous, en France, on a du mal à comprendre tout ça, ce patriotisme de base n’est pas forcément bien interprété. Nous n’avons pas la même histoire, non plus. Notre drapeau, il symbolise une histoire dont nous ne sommes pas toujours fiers, non plus.

Eux, leur drapeau, c’est l’histoire et toute la symbolique de ce regroupement d’étrangers et de toutes leurs richesses. Vous ne pouvez imaginer ce qu’est le bonheur de recevoir pour la première fois ses papiers américains.

Dans cet album, la météo joue son rôle, changeante et baignant des scènes historiques mais aussi d’autres. Qui fait la météo dans votre duo ?

Steve : Pour le coup, c’est moi. L’histoire n’était pas pensée en termes météorologiques mais au profit de l’action, des personnages. Du coup, je me suis demandé ce que je pouvais apporter. La météo pourrie se justifiait, bien sûr, pour le débarquement : on a tous en tête ces images de mecs gelés.

Au-delà de ça, certaines séquences du scénario manquaient de merde, d’un côté pourri qui plaquerait une ambiance au sol, qui créerait des flaques, permettrait de jouer avec des valeurs de gris, des hachures… Puis, dans certaines planches que je trouve trop linéaires, où je ressens le manque de quelque chose, il m’arrive de provoquer la pluie.

Mais qu’est-ce qui fait votre passion pour l’histoire ?

Yves : C’est venu par la lecture de beaucoup de choses. Puis, parfois, en regardant la télévision, une idée fait mouche. Et si nous voyions ce que donnerait ce thème s’il était poussé jusqu’à la fiction ? Le Blake et Mortimer sur Shakespeare, c’est ainsi qu’il est venu. Je ne connaissais rien sur Shakespeare et, dans une émission d’Arte, je me suis rendu compte que, depuis des années, des chercheurs s’interrogeaient sur l’identité du dramaturge, se demandant même s’il avait réellement existé. Alors, j’ai lu et j’ai découvert plein de choses.

Avec Cinq branches de coton noir, je ne pensais pas que je repartirais jusqu’en 1776. C’est en cherchant une quête que je m’y suis retrouvé. Une chose est sûre : on n’invente pas à partir de rien. Même les récits ancestraux comme l’Odyssée, ils résultent de la tradition orale, de récits similaires qui étaient partagés par les voyageurs.

Steve : En tout cas, ça m’inspire plein de trucs. Avec ce projet, j’ai découvert certains sites recensant des photos d’époque, village par village, permettant d’écouter la radio de l’époque. Nous, en France, on a un gros problème avec nos archives, on ne peut que les consulter sur place, à Paris, sans pourvoir les emporter. Et elles ne sont pas sur Internet. Alors, oui, j’ai été surpris de trouver ces sites. Je ne pensais pas que de telles photos existaient, elles ont été prises par des centaines, des milliers de soldats américains lors de leur progression sur le sol français. Proportionnellement, je ne m’en suis pas tellement servi. Mais elles ont permis d’instaurer l’ambiance du projet.

Cette documentation, elle me permet de savoir que je suis sur le terrain, de le ressentir, d’être habité de plein de choses. À moi, à ce moment-là, d’être le créateur.

Et vous, Steve, pourquoi revenir sans cesse à l’Amérique ?

Steve : Parce que c’est toujours mieux de parler de quelque chose qu’on connaît. En tout cas, pour moi. J’ai vécu ces relations entre les Blancs et les Noirs, capables de s’aimer mais aussi de se haïr. En France, j’ai adoré Il était une fois en France de Fabien Nury et Sylvain Vallée. Mais il fallait que ce soit fait par des gens ancrés dans la culture parisienne. Moi, je n’aurais pas su quoi y mettre. Dans un projet, j’aime savoir quel est mon rôle et pourquoi je suis là. Si je n’ai pas la réponse à ces deux questions, je déserte.

La couleur est particulière dans cet ouvrage, avec à chaque fois une couleur qui prend la prédominance.

Steve : Le choix de départ était de mettre en avant le noir et blanc. Les couleurs ont été un vrai sujet de discussion au départ. Mes potes me disaient découvrir réellement mon travail en exposition, face aux planches encrées. Il s’agissait de mettre en avant la première écriture dans ce qu’elle a de puissant et parlant mais sans la dénaturer, sans rien d’autre pour la codifier.

Il y a aussi ces photos d’archives, des diapositives poussiéreuses. Comme, en pages 82 et 83. Comment vous y êtes-vous pris ?

Steve : Il n’y a rien de pire que de dessiner, dans une case, un écran. C’est carré, comme une case. Il ne faut pas se planter et trouver un bon cadrage. Pour arriver à cet effet, j’ai bossé directement sur papier, ai encré puis scanné avant de rebosser sur Photoshop pour amener un effet flou. J’ai réimprimé sur une vieille imprimante avant de coller ces cases sur la planche. L’impression finale a fini de créer la perte, d’effacer tout code de la bande dessinée.

Des films de guerre qui vous ont marqué ?

Yves : Gamin, j’en ai vu des pelletées. Mais celui que je revois encore volontiers à chaque fois qu’il est diffusé à la télé, c’est le Patton de Franklin J. Schaffner avec George C. Scott. Il m’a marqué. Et c’est peut-être lui qui m’a donné envie de situer une partie de mon action dans les Ardennes.

Après, il y a bien sûr Il faut sauver le soldat Ryan, Band of Brothers, Lettres d’Iwo Jima mais aussi Un taxi pour Tobrouk.

Et en matière de guerre, quelle est la force de la BD par rapport au cinéma qui a les effets spéciaux pour lui.

Yves : En BD, par le texte, le dessin, le découpage, on peut jouer avec le rythme de lecture, avec le temps, avec l’importance de chaque scène. On peut rester trois secondes de plus sur une image. Au cinéma, on ne sait pas empêcher la bobine de tourner… même à l’ère numérique.

Quelle est la suite pour vous maintenant ?

Steve : J’écris une histoire complète, seul et également pour Aire Libre. Mais je préfère garder la surprise… aussi parce que j’ai trop peur qu’on me pique l’idée (rires).

Merci à tous les deux !

Propos receuillis par Alexis Seny

Titre : Cinq branches de coton noir

Récit complet

Scénario : Yves Sente

Dessin et couleurs : Steve Cuzor

Genre : Guerre, Drame, Aventure

Éditeur : Dupuis

Collection : Aire libre

Nbre de pages : 176

Prix : 24 €

Publié le 07/02/2018.

Source : Bd-best

Brugeas et Toulhoat provoquent Ira Dei, le courroux bien badass des dieux : Â« La Sicile, un fameux terrain de jeux comme lâ€™Histoire sait en offrir quand on cherche bien Â»

Malheur aux vaincus et bonheur aux lecteurs ! Alors qu’on le présente de moins en moins, le duo fatal composé par Vincent Brugeas et Ronan Toulhoat (à l’origine, s’il ne faut en citer qu’un, du Roy des Ribauds) met la Sicile, carrefour des cultures et des caïds, à feu et à sang en compagnie de ce diable de Robert Tancrède. Un héros qui ne fait pas dans le détail et dont la vengeance se dessine peu à peu au bout de sa lame. Rencontre avec ces deux as du récit épique et historique.

Bonjour à tous les deux, c’est la première fois qu’on vous reçoit chez Branchés Culture. Un petit retour en arrière s’impose, donc, comment s’est formé votre duo éclatant ?

Vincent Brugeas : On a commencé ensemble au lycée. En voyant que l’un adorait dessiner et que l’autre adorait écrire, on a vite compris qu’on pouvait faire de la bande dessinée ensemble, dès 2003.

Avec Ira Dei, vous nous revenez, pour changer, avec un récit de guerre. Vous aimez varier les décors tout en tournant autour de ce genre qui permet de mobiliser plein d’éléments, non ?

Vincent : La guerre met, en tout cas, tout de suite dans une situation qui permet pas mal d’histoires. Il s’agit moins de la guerre que du conflit, vecteur de péripéties entre des groupes antagonistes ayant un objectif commun ou pas.

Ronan Toulhoat : C’est un univers qui amène des récits fort dynamiques. La guerre entraîne des récits, des personnages dans des situations qu’on ne voit nulle part ailleurs avec une faculté à faire évoluer les personnages. Puis, les conflits charrient également différents types de narration.

Après, beaucoup d’autres genres m’attirent, le drame, le polar, les récits de piraterie, le western… Des types de récits qui m’ont bercé.

Justement, le dynamisme, c’est votre dada ?

Ronan : Oui, c’est ma définition du dessin, une recherche de puissance, de l’image qui claque, parvenir à en extraire le charisme. Cela passe par plusieurs jeux de contraste, le choix des couleurs. Mais, il m’est arrivé d’en jouer parfois avec exagération. Je me suis calmé un petit peu. Mon but, c’est que le lecteur ne s’ennuie jamais tout en évitant d’en faire trop pour ne pas lessiver le lecteur à la fin de l’album. Il faut parfois arriver à calmer le tempo. Mais mon dessin est, de base, nerveux, alors, forcément, ça s’en ressent globalement.

Dans Ira Dei, c’est une foule de personnages qu’on retrouve au four et au moulin. Avec l’obligation de ne pas perdre le lecteur ?

Vincent : Personnellement, je n’ai pas de problème à connaître et reconnaître mes personnages. À partir du moment où la période a été fouillée, quand je sais où je vais, je connais intimement mes personnages. J’en fais une présentation dense pour me débarrasser de tout doute.

Ronan : Pour moi, la gageure était de créer des personnages sans retomber sur des tics d’auteur. Je contourne donc cette difficulté en m’inspirant d’un rôle d’un acteur dans une série ou un film. Ainsi Robert, au début, il ressemblait à Jared Leto, beau mais avec quelque chose de flippant dans le regard. Après, cela va sans dire que mon personnage se dégage de ces inspirations. Je ne veux pas qu’il soit le portrait d’un acteur, cela entraînerait un risque de rigidité et n’en ferait pas un vrai personnage de BD.

Puis, c’en est ainsi sur toute la palette de personnages. Le prêtre Étienne, il lorgne du côté d’Evan Peters, l’acteur d’American Horror Story qui joue Quicksilver dans les derniers X-Men. Pour Harald le Viking, j’ai évidemment été voir du côté des acteurs de la série Vikings.

Vincent : C’est vrai qu’il faut garder le lecteur à l’esprit, mettre tout en oeuvre pour qu’il ne perde pas de vue les personnages. Et pour ça, notre éditeur a veillé au grain, nous obligeant à faire attention, à prendre du recul.

Il y a aussi deux femmes, et non des moindres.

Ronan : On dit que les auteurs ont tendance à créer des personnages qui leur ressemblent. Alors des personnages du sexe opposé quand on est un homme. Il importait, une nouvelle fois, que ces héroïnes soient réalistes, humaines avant d’être des personnages, avec des parts d’ombre et des forces. Elles sont un peu le pendant de Robert et Étienne. Dans un contexte majoritairement masculin, elles devaient apporter autre chose, tout en s’évadant des archétypes et en les faisant évoluer. Marie, la soeur timide et secrète d’Étienne va s’émanciper. Côté viking, il y a cette espionne, manipulatrice qui révélera aussi ses faiblesses. C’est de l’ordre du jeu d’acteur.

Un personnage au-dessus de la mêlée : le Normand Tancrède. C’était ce personnage et pas un autre qui allait mener l’histoire ?

Vincent : Mieux que ça, il est à l’origine de la série avant de convier d’autres personnages qui allaient lui donner du répondant. Après avoir trouvé la date sur laquelle on allait se poser, j’ai brodé, fait appel à la mythologie et fait jouer la petite et la grande histoire. Tancrède n’existe pas en tant que tel, il est fictif, mais il possède un lourd passé en tant que Robert.

Recherche de couverture © Brugeas/Toulhoat

Et dans la dynamique, je lui ai adjoint Étienne, le prêtre qui l’accompagne, qui, pour le coup, est totalement inventé.

Le décor, lui, est de choix. La Sicile…

Vincent : … comme une évidence, bordée par la Méditerranée et au carrefour des peuples comme point d’échanges mais aussi d’affrontements et de partages de cultures. L’île s’est imposée d’elle-même, entre terre et mer et de quoi offrir à Ronan l’occasion de s’amuser. C’est un fameux terrain de jeu comme l’Histoire sait en offrir. Il faut juste bien les chercher et on tombe parfois sur des mines d’or.

Et sous ce soleil de feu, il n’y aura pas que des amabilités qui seront échangées.

Vincent : C’est plus une question de dynamisme et de tension que de violence, en fait. Il nous importe de maintenir le lecteur sur le pied de guerre, sur la corde sensible. J’ai envie qu’on soit dans un duel de western, comme quand les héros se fixent yeux dans les yeux. Maintenir cette impression tout au long du récit est mon leitmotiv.

En ajoutant une difficulté supplémentaire : le jeu des flash-back.

Vincent : Il faut à la fois qu’ils tombent aux bons moments et qu’ils lâchent une info importante et nous éclairent sur le passé non-connu des héros. Il faut les choisir avec attention, c’est vrai, mais c’est comme une recette de cuisine. Un peu d’instinct, d’intuition pour savoir quand il faut sortir le gâteau du four.

Le feu a lui aussi son rôle à jouer, il est omniprésent !

Ronan : Oui, au-delà de la dominance chaleureuse, on voulait faire ressentir le fait que tous les personnages ont une part de diable en eux. Puis, c’est la couleur de la fureur.

Et il y a quelques scènes de choix pour l’exprimer. Vous entretenez la flamme pour des héros bien badass comme il faut. Mais l’apparence ne suffit pas, il faut travailler la psychologie, non ?

Vincent : Exact. Je pars toujours du principe que le voyage n’a pas d’importance pourvu qu’on aime les personnages et qu’ils soient charismatiques. J’y apporte un soin très particulier, ils doivent être les moteurs, que ce soit conscient ou inconscient, de l’histoire plutôt que de la subir ou d’en être écrasés.

Ex-libris pour BDFugue © Brugeas/Toulhoat chez Dargaud

Puis, il faut aussi faire attention à ce que le texte ne répète pas ce qui est dit par le dessin. C’est pour ça que nous travaillons, Ronan et moi, le storyboard en un bloc, durant un mois entier. On travaille l’histoire, la manière de la mettre en scène, on fait évoluer les dialogues quand le dessin fait l’impasse sur un élément. Au fil des expériences, on est convaincu que c’est la bonne méthode. Puis, plus loin, ça continue à évoluer, parfois un mot est changé de justesse pour être plus juste.

L’avantage de la proximité géographique pour les échanges.

Vincent : Avant, oui, plus maintenant, j’ai déménagé. Donc, on se skype, on est toujours connecté puis à force de s’être fréquenté, on se connaît.

L’une des scènes marquantes de ce premier album, c’est ce bombardement avec des oiseaux incendiés. Too much, non ?

Vincent : Notre éditeur, Yves Schlirf, l’a pensé fort aussi en nous demandant de revoir cette scène. Je lui ai alors dit que c’était la seule chose que j’avais trouvée écrite noir sur blanc. Interloqué, il nous a dit de foncer, alors ! En fait, cet épisode se trouve dans l’épopée d’Harald le Viking qui apparaît d’ailleurs dans cet album. Bon, c’est un récit plus mythologique que réaliste mais ça me suffisait.

Ronan : Je n’avais aucune base, aucune référence pour créer cette séquence, alors, je me suis basé sur la logique et m’imprégner de la peur pour la mettre en scène et la rendre la plus impressionnante possible. Donner l’impression que tout le ciel s’enflammait.

Dans une vidéo publiée par votre éditeur, on vous voit avec un gant.

Ronan : Exact, il vient de la pratique et de la technique des auteurs travaillant numériquement et sur tablette. Ce gant évite de rayer l’écran. Moi, je l’ai adopté pour éviter de suer, de faire des taches et de salir les planches sur lesquelles je travaille.

Mais entre la couleur et le noir et blanc, comment préférez-vous vos planches ?

Ronan : Je suis un grand fan de noir et blanc, ce qui correspond à ma première réflexion. Mais comme je fais moi-même mes couleurs, je sais à quel point celles-ci vont venir appuyer l’encrage, le compléter, le terminer. En tant que dessinateur, je trouve que le noir et blanc explore une autre facette. Ce sont deux plaisirs, vraiment.

Extrait du tome 2 © Brugeas/Toulhoat

Dans les remerciements, c’est Emmanuel Herzet que vous citez, Vincent.

Vincent : Je l’ai connu sur un autre projet, une série en cours de réalisation. On se skype une fois par semaine avec, pour but, de s’améliorer mutuellement. Emmanuel, c’est un coup de foudre professionnel comme rarement cela arrive. Il y en a eu un avec Ronan et celui avec Emmanuel. C’est lui qui, le premier, a lu le scénario d’Ira Dei, son retour est toujours intéressant.

Récemment, Vincent, avec Thomas Legrain, vous signiez le premier tome de The Regiment qui revenait sur l’histoire du SAS. Finalement, d’où vous viennent cette passion et cette envie de visiter l’Histoire à différentes époques, dans des contextes variés ?

Vincent : En lisant énormément de livres d’Histoire, depuis tout petit, je me suis rendu compte à quel point elle était génératrice d’histoires, parfois folles. C’est là que j’ai appris que la réalité dépasse toujours la fiction parce qu’elle s’en fiche d’être crédible… là où le scénariste, le conteur essaie toujours de l’être.

Extrait du tome 2© Brugeas/Toulhoat

Ronan : Vincent y est venu plus tôt que moi. Je m’y suis vraiment intéressé et m’en suis passionné sur le tard… quand j’ai rencontré Vincent.

Quels sont vos projets ?

Continuer un peu sur Ira Dei. Puis, on donnera certainement un nouveau cycle au Roy des Ribauds.

Merci à tous les deux. Entre-temps, on a appris que vous seriez aussi à la tête d’une aventure de Conan le… Cimmérien, en mai chez Glénat.

Propos receuillis par Alexis Seny

Série : Ira Dei

Tome : 1 – L’or des caïds

Scénario : Vincent Brugeas

Dessin et couleurs : Ronan Toulhoat (Instagram)

Genre : Guerre, Médiéval, Aventure

Éditeur : Dargaud

Nbre de pages : 64

Prix : 13,99€

Publié le 25/01/2018.

Source : Bd-best

Avec Sente et Verron, ne lâ€™appelez pas Spirou mais Ptirou : Â« Quitte Ã triturer lâ€™univers du Journal Spirou, autant y aller Ã fond et donner un vrai second degrÃ© de lecture aux fans. Â»

Certains détails passent inaperçus pendant des années avant de resurgir comme des évidences. Si l’on connaît bien Spirou et que sa popularité ne faiblit pas, on était loin de s’imaginer qu’il avait un « aïeul » qui ne fit malheureusement pas long feu sur les ponts d’un paquebot en route et à flot vers le nouveau continent. Il s’appelait Ptirou, ou peut-être pas d’ailleurs, mais Yves Sente et Laurent Verron y ont vu un héros parfait pour un one-shot étonnant où la véracité des faits laisse place à l’imagination et à la fiction, à la grande aventure en habit de groom. Interview avec les deux auteurs. Embarquement immédiat.

Bonjour à tous les deux. Avec Il s’appelait Ptirou, vous proposez ce qui est sans doute, jusqu’ici, l’album le plus inattendu de cette série/collection «Vu par ». D’ailleurs, en fait-il partie ? Sur la couverture, rien n’en témoigne ?

Yves Sente : Non. Il ne fait bien sûr pas partie des « Spirou de… » pour la simple et bonne raison qu’il ne s’agit pas d’un récit mettant en scène le personnage de Spirou mais bien le récit du personnage de Ptirou… qui a inspiré Spirou.

Par ailleurs, quel est votre regard sur cette collection ? Qu’y avez-vous aimé ? Et l’évolution de Spirou et son univers, plus généralement, qu’en pensez-vous ?

Laurent Verron : Le principe est sympathique et l’interprétation de chaque auteur du personnage de Spirou est intéressante. C’est marrant, on est dans une période qui ressemble un peu au tout début des années 1980 où Dupuis voulait faire dessiner Spirou par plusieurs équipes. Ce qui était très décrié à l’époque…

Yves Sente : Personnellement, quand j’ai été en âge de découvrir les nouveautés de Spirou, c’était Fournier qui était aux commandes. Aaahh… « Du Glucose pour Noémie » ! Bien sûr, par la suite, j’ai découvert les merveilleux albums de Franquin, puis de Tome et Janry et leurs successeurs. J’ai plus récemment découvert avec le même bonheur les « Spirou vu par » de Bravo, Yann et Schwartz, Le Gall… Pas mal de pépites dans tout cela.

La période Rob-Vel de Spirou, que représente-t-elle pour vous ?

Laurent Verron : La préhistoire de Spirou. Je n’ai même pas tout lu Rob-Vel. C’est vrai que c’est très éloigné de la BD d’après guerre et encore plus de celle d’aujourd’hui.

Yves Sente : Une période « très historique », plus proche de « Bécassine » que de la BD d’après guerre des journaux Tintin, Spirou, Pilote… C’est très intéressant sur le plan historique mais c’était quand même déjà fort éloigné des canons de lecture de ma jeunesse.

Quel est votre rapport à ce héros au calot ? Quel est votre « âge d’or » le concernant ? Pourquoi ?

Yves Sente : Gamin, j’ai découvert la BD avec Tintin au Congo à l’âge de 6 ans. Je ne savais pas encore lire. Ce fut un choc. Après, toute BD qui me passait dans les mains était littéralement dévorée, qu’elle vienne de n’importe quel journal ou de n’importe quelle «école». Spirou fut évidemment un des premiers personnages qui a suivi Tintin dans mes assuétudes.

Laurent Verron : Spirou, pour moi, ça a été d’abord un journal que je lisais avec avidité. J’y ai découvert Gaston et Le Trombone Illustré, ce qui m’a amené à Franquin. C’est alors que je me suis mis à lire ses Spirou, assez tard finalement. Ses albums restent mon « âge d’or » de Spirou.

On a tous en tête cette célèbre planche de la naissance magique de Spirou de la main de Rob Vel, mais j’ignorais totalement ce qui avait pu inspirer à l’auteur ce personnage devenu emblématique. Qu’est-ce qui vous a mis sur la piste de ce groom de paquebot ?

Yves Sente : Un témoignage de Rob-Vel lui-même issu du livre « La Véritable histoire de Spirou » de Christelle et Bertrand Pissavy-Yvernault. Quelques lignes qui m’ont fait l’effet d’un choc et dans lesquels Rob-Vel raconte que c’est un mousse de sonnerie (origine véritable de cet uniforme rouge à bouton doré), qui avait mortellement chuté dans une cale lors d’une traversée sur un paquebot où il était steward, qui lui a inspiré l’apparence de Spirou lorsque, des années plus tard, Paul Dupuis est venu a Paris lui proposer de créer le personnage. Le drame semblait avoir beaucoup affecté Rob-Vel. Pour moi, c’était clair : je devais à tout prix raconter l’histoire de ce mousse anonyme.

J’imagine, Laurent, que dans votre volonté de ne plus faire de reprise, vous n’étiez pas spécialement partant ! Qu’est-ce qui a changé la donne ? Qui vous a séduit dans cette histoire ?

Laurent Verron : C’est vrai que, lorsqu’Yves m’a téléphoné pour me proposer de faire un Spirou, je n’étais pas « chaud ». Mais dès qu’il m’a raconté qu’il s’agissait du véritable groom qui avait inspiré Rob-Vel, j’ai été enthousiasmé. Nous n’étions pas sur le personnage de bande dessinée mais sur un personnage réel dont on ne sait rien. Là, nous étions dans de la création pure et c’est ça qui m’a plu.

C’est aussi votre premier album chez Dupuis, peut-être encore plus étonnamment pour Laurent. Que représente pour vous cet éditeur ? Et pour vous Yves qui avez été éditeur ? Vous sentez une évolution éditoriale chez Dupuis ? L’audace et la revalorisation de son patrimoine (Tous les « vu par », les reprises…) sont-elles compatibles ?

Laurent Verron : En effet, cela me fait tout drôle d’être publié chez Dupuis, moi qui étais beaucoup plus « Spirou » que « Tintin ». Je suis chez l’éditeur de mes lectures de jeunesse ! La valorisation de leur patrimoine éditorial est la bienvenue, les dossiers de ces intégrales sont très bien faits et on y apprend plein de choses.

Yves Sente : Les reprises ont toujours existé dans la BD. Tout le monde semble l’avoir oublié mais Franquin était lui-même un « repreneur », tout comme Jijé. Cela n’enlève rien à la qualité de leur travail. Nous essayons de poursuivre honorablement (et pour le plaisir des lecteurs en plus du nôtre) cette tradition, tout comme l’éditeur.

Mais entrons dans le vif du sujet avec cette histoire sur deux niveaux, entre cette veillée de Noël 1959 et cette croisière transatlantique de 1929. Pourquoi ce Noël 1959 ?

Yves Sente : 1959, parce que c’est l’année de la première apparition de Boule et Bill dans le Journal Spirou (le 24 décembre). C’était un clin d’œil de Laurent qui ne me gênait aucunement puisque je voulais installer « notre Oncle Paul » vers la fin des années 50.

Avec une utilisation des couleurs à contre-courant de ce qu’on voit habituellement dans les flashbacks. Tant qu’à parler de couleurs, Laurent, sur vos crayonnés, vous utilisez du noir, du rouge, du bleu. Pourquoi cette diversification ? Que vous permet-elle ?

Laurent Verron : Cela me permet de ne pas saturer mes dessins : je mets en place les personnages et les phylactères dans les décors avec le bleu ou le rouge puis je précise les attitudes avec une autre couleur et les expressions et certains détails avec une troisième . (Souvent, je termine avec le noir.) Lorsque plusieurs éléments se superposent, c’est plus clair pour moi.

Elles sont présentes au début du processus mais aussi au final. Vous signez les couleurs de cet album, ça faisait longtemps que ça ne vous était plus arrivé ! Le plaisir est intact ?

Laurent Verron : Oui, c’est un plaisir de mettre en couleur ses planches. Et puis, j’y suis allé un peu à l’improviste et il aurait été difficile d’expliquer à une ou un coloriste ce que je voulais.

Le personnage qui nous ouvre la voie à cette histoire aux bases réelles mais au déroulement fictionnel n’est donc nul autre que l’Oncle Paul ! Que vous évoque-t-il, ce personnage ? Qu’est-ce qui vous a donné envie de le faire revenir ? N’a-t-il pas ouvert la voie d’une certaine BD du réel? Y’a-t-il d’autres personnages dont vous vous êtes inspirés dans cet album ?

Yves Sente : Il y a beaucoup de gens qui s’appellent Paul et le « nôtre » porte une barbichette. De plus, il a une petite nièce en plus de deux neveux. Ce n’est donc pas celui du Journal… mais il est évidemment là pour y faire penser ! (Rire) Mais, puisque j’avais décidé de triturer l’univers du Journal Spirou, autant y aller à fond. Les fans de Spirou ont droit, dans cet album, à un vrai second degré de lecture.

En tout cas, certains personnages ne dépailleraient pas dans des vieux films noirs ! Comment les avez-vous campés, tous ces personnages ? À quoi doit-on penser dans leur création ?

Laurent Verron : Dans le scénario d’Yves, chaque personnage est décrit avec précision et moult détails sur sa personnalité. Cela me convient car je peux ainsi m’appuyer sur de bonnes bases pour créer graphiquement les protagonistes de notre récit. Je tiens à ce que chacun soit bien différent tant au niveau de la silhouette, de la physionomie, du visage, bien sûr, mais aussi dans sa façon de bouger. C’est très important que le lecteur ne les confonde pas lorsqu’il croise l’un ou l’autre personnage.

L’oncle Paul, un personnage-clé pour nous emmener vers d’autres époques, nous voilà donc en 1929. Dès les premières cases, on s’y croit, dans l’ambiance, les costumes, les bâtiments et, plus tard, les voitures, l’avion et le bateau. Quel travail de reconstitution, Laurent, non ? Comment vous y êtes-vous pris ? Beaucoup de documentation ?

Laurent Verron : Yves m’a fourni beaucoup de documentations. De même que mon ami et scénariste Yann m’a prêté un formidable bouquin sur les paquebots d’avant-guerre et j’ai aussi trouvé des photos sur internet. Mais il y a eu des moments où j’ai dû inventer, surtout en ce qui concerne certaines parties du navire et de l’hydravion car je ne trouvais rien qui puisse m’aider ! Mais nous ne faisons pas un récit documentaire ou purement historique. L’essentiel est que le lecteur ait l’impression que tout est cohérent et crédible et qu’il s’imagine parcourir les coursives ou les salles des machines du navire.

Puisque la majorité de cette histoire se passe sur un genre de Titanic (le mot est lâché, il y a de ça chez vous, non ?), comment vous êtes-vous approprié la vie à son bord ?

Laurent Verron : Yves et moi trouvions intéressant de montrer la vie quotidienne à bord par des cases muettes. Ce sont les photos d’époque récoltées plutôt que le film « Titanic » qui m’ont servi de références pour cela.

Yves Sente : Pour être sincère, le film qui a traversé mon esprit n’était pas « Titanic » mais bien « La Légende du Pianiste sur l’Océan » dans lequel la vie des cales est beaucoup plus présente… et qui ne se termine pas en film catastrophe (ce qui n’était pas notre propos).

Ça a dû vous dépayser de Boule et Bill ? C’était le bon moment pour passer à autre chose ? Vous a-t-il fallu un temps pour sortir des réflexes Bouleetbillesques ?

Laurent Verron : Yves est tombé pile au bon moment avec ce projet de Ptirou. Je commençais à me lasser de Boule & Bill et j’avais cette envie de faire des choses plus personnelles. Perdre les réflexes Boule&Bill était- est- toujours un de mes objectifs pour essayer de progresser et actualiser mon dessin.

Entre le vertige du cirque (dans lequel un drame va changer la vie de Ptirou) et le mal de mer à bord, je me suis vraiment senti en immersion. Y’a-t-il eu un travail graphique particulier pour veiller à ça ou vous êtes-vous approprié les flots et leurs mouvements de manière assez naturelle ?

Laurent Verron : Je travaille avec la même motivation et le même enthousiasme sur toutes les scènes. L’immersion est naturelle au fur et à mesure de l’avancement des séquences. Mais c’est vrai que la mer est difficile à dessiner. J’ai dû trouver des solutions pour résoudre certains problèmes graphiques et faire ma « petite cuisine ».

L’histoire vraie de Ptirou, qu’en sait-on ? Pas grand-chose ? Ce qui vous permettait du coup d’agir en totale liberté ? Plus que dans un Thorgal ou un Blake et Mortimer qui sont pourtant des séries totalement de fiction ? C’est paradoxal, non ?

Yves Sente : Liberté totale ! C’était notre envie et la condition (immédiatement acceptée) posée auprès de Dupuis. Tout est inventé sur base de cette anecdote qui m’a inspiré mais dont on ne sait quasiment rien. Comment s’appelait ce gamin ? Mystère. Était-il roux ? Boule de gomme. Nous nous sommes donc absolument tout approprié.

Laurent, certaines de vos envies ont-elles été intégrées au scénario ?

Laurent Verron : Je me suis permis certaines modifications dans le découpage et la mise en scène d’Yves. J’ai même rajouté une séquence dans l’histoire. Toujours en commun accord avec Yves. Ce fut une très agréable collaboration.

On l’a vu, Rob-Vel a été fortement influencé pour créer Spirou par cette rencontre sur un navire. Et vous, ça vous est déjà arrivé de rencontrer des gens que vous avez mis (ou auriez bien mis) en BD ?

Yves Sente : Non. Pas personnellement.

Laurent Verron : En ce qui concerne les personnages secondaires et les « figurants », il m’arrive d’intégrer des gens que j’ai « croqués » dans la rue ou ailleurs. Ces croquis pris sur le vif sont nécessaires pour renouveler l’inspiration et pour créer de nouvelles physionomies.

Notons que les faits avérés sont très dramatiques : le groom dont Rob-Vel s’inspirera meurt sur ce bateau. Jusqu’au bout, vous brouillez les pistes. Ptirou connaîtra-t-il le même sort, le doute est permis ! Comment avez-vous choisi la fin de cet album ?

Yves Sente : Secret de fabrication. Joker !

Toujours est-il que, dans un cas comme dans l’autre, il n’y aura pas de suite… du moins pas avec Ptirou mais peut-être bien avec… Juliette (cette jeune fille accablée par une maladie qui va se prendre d’affection pour votre groom), c’est ça que vous entendez avec « la suite une autre fois »?

Yves Sente : À la place de la petite Marie, je voudrais aussi connaître la suite. Attendons Pâques 1960. Nous verrons bien…

Oui, mais qui est cette Juliette, au final, un personnage ayant existé avec un destin fabuleux ?

Yves Sente : Patience, patience…

Vous ne changeriez rien à votre duo pour cette suite ?

Laurent Verron : Surtout pas !

Yves Sente : Vous savez, si on change ne fût-ce qu’une personne d’un duo, il ne reste rien du duo… J

D’autres projets ? En tout cas, Yves, vous n’en avez pas fini avec Dupuis puisque sort, d’ici quelques jours, Cinq branches de coton noir. Qu’est-ce que ça racontera ? Vous collaborez avec Steve Cuzor, une belle rencontre, là aussi ?

Yves Sente : Une belle rencontre également, nous en parlerons.

Avec plaisir et à très vite pour découvrir le destin de Juliette, alors !

Propos recueillis par Alexis Seny

Titre : Il s’appelait Ptirou

Récit complet

Scénario : Yves Sente

Dessin et couleurs : Laurent Verron

Genre : Drame, Aventure, Histoire

Éditeur : Dupuis

Nbre de pages : 80

Prix : 16,50€

Publié le 24/01/2018.

Source : Bd-best

Dodo et Cha sur la piste terrif-hilarante des combattants syrâ€¦akiens, lâ€™humour vainqueur face Ã lâ€™horreur

Au journal des bonnes nouvelles, Dodo et Cha ont éclipsé le gore et la terreur des actes du Grand Khalifat (vous l’aurez reconnu) pour en garder l’absurdité et l’emmener faire un tour dans un trip halluciné du côté de la Syrakie. Finies les décapitations, place au décapant humour de ce tandem réuni pour la première fois aux côtés de trois héroïnes attachantes qu’elles soient intrépides, faibles, barrées, femmes tout simplement dans un monde d’hommes décérébrés. Ou quand le rire réfute la peur et que la triste actualité et le désœuvrement humain qui croit aux pires des sottises s’en vont se balader dans un récit d’aventure à couper le souffle. Interview avec les deux auteures autour du Voile noir et de l’exposition que propose le Centre Belge de la Bande Dessinée.

Bonjour à toutes les deux. C’est un tandem jusqu’ici inédit que vous formez pour cette aventure tonitruante en… Syrakie. Comment votre duo s’est-il créé ?

Dodo : Les éditions Casterman avaient envie de travailler avec moi et sont venues me chercher pour que j’écrive une histoire d’aventure. J’ai cherché un petit temps avant le déclic. Ce sont les attentats de Charlie Hebdo qui m’ont mis la puce à l’oreille et m’ont aiguillé vers ce sujet des jeunes partis combattre en Syrie. Est-ce que je pouvais aborder cette thématique de manière décalée ? Casterman m’a dit Go ! Et c’est parti ainsi.

Après, si je voulais collaborer avec un jeune auteur, je ne savais pas qui allait pouvoir dessiner ça. Casterman m’a bien fait quelques propositions de dessinateurs, sans parvenir à me séduire. Ça ne m’emballait pas, je ne voyais pas mon histoire selon le graphisme de ces potentiels auteurs. Le déclic est arrivé un an tout juste après les attentats de Charlie Hebdo. Un 7 janvier sur la place de la République. On s’est laissés portés jusqu’à un bistrot où était attablée l’équipe de Fluide Glacial. Au fil de la discussion, Pixel Vengeur m’a dit : « Mais c’est Cha qu’il te faut »! En effet, je ne vois pas qui d’autre aurait pu, ça collait vraiment.

Le voile noir, qu’y a-t-il derrière ce titre ?

Dodo : Deux choses. D’abord, le fait d’être aveuglé, de se lancer même si on ne voit rien. Deuxièmement, parce que dans le pays dont on parle, la majorité des femmes portent ce voile noir.

Puis, mine de rien, ces trois mots anodins, je trouve, laissent un parfum d’aventure planer, un peu de mystère, non ?

Dodo : Je vois ce que vous voulez dire ! Un peu comme si on avait fait Le voile noir… et le secret de la licorne. C’est mystérieux, ça, non ? (Rires)

Et vous, Cha, dans des décors qui ne sont pas les vôtres, d’habitude, il y a eu des craintes ?

Cha : Oui, par le sujet, c’était délicat, j’avais un peu peur. On en a discuté avec Dodo et on s’est vite rendu compte qu’on était totalement en phase par rapport au traitement. Pour le reste, l’écriture coulait toute seule, je n’ai pas eu à me prendre la tête pour mettre cette histoire en images, c’était très instinctif.

Dodo : Ça me désolait de savoir le si grand nombre de jeunes qui étaient partis faire le djihad. Je voulais m’adresser à ces adolescents avant tout. Mon humour, il n’est pas méchant, il est caustique, il n’avait pas besoin de limite, ça venait comme je le sentais.

Cha : C’est de l’humour avant tout. Je trouvais ça gonflé de traiter avec humour un tel sujet. Nous ne voulions pas faire un reportage BD, il y en avait déjà ou des similaires. Par contre, cette aventure humoristique au-dessus de la thématique dure nous permettait d’amener quelque chose de nouveau dans le spectre des ouvrages traitant des départs en Syrie.

Justement, comment êtes-vous entrées en collision avec cette thématique qui hante nos actualités depuis un bout de temps déjà.

Cha : Entrer en collision, c’est le mot. C’est avec les événements de Charlie Hebdo que c’est devenu très concret. Je n’aurais jamais pensé faire une BD là-dessus. Du coup, pour recréer ces décors, pour capter ces ambiances, j’ai regardé énormément de documentaires. Je voulais que les gens que nos héros fréquenteraient dans la rue soient au plus près de la réalité. Je voulais savoir comment se passait leur vie.

Après, pour documenter tout ça, j’ai ingurgité tant de vidéos, d’images… et forcément des choses beaucoup moins plaisantes quand on s’intéresse à Raqqa : des décapitations, etc.

Une violence qui, si elle est présente et sous-entendue, n’est pas représentée.

Cha : Oui, il s’agissait de suggérer plus que de montrer, ne pas être gore, ne pas faire dans la violence inacceptable. Avec Dodo, on s’est vraiment bien entendue, aussi lorsqu’il a fallu établir le pré-découpage. Dodo a aussi beaucoup documenté la maison des femmes et a pas mal utilisé le livre d’une dame partie en Syrie et qui en est revenue difficilement… mais revenue quand même. Tout cela a parsemé le récit.

Avec des choses difficiles à représenter ?

Cha : Une scène a peut-être posé plus problème que d’autres. Malgré la grosse banque d’images dont je disposais, je ne pouvais pas savoir à quoi ressembleraient la maison des femmes et la cave de celle-ci. Il restait des choses à inventer donc, j’ai essayé d’être dans la continuité, de trouver une architecture typique.

Et ce trio aussi bien assorti que mal assorti composé de deux amies et d’une tante complètement barge, comment est-il né ?

Dodo : Je ne voulais pas faire une reporter qui part dans un pays pour documenter ce qu’il s’y passe. Je voulais une nana jeune et une seconde héroïne plus âgée. Après, j’ai un peu pensé, sans aucune prétention d’égaler ce qu’a fait Hergé, à Tintin et, surtout, au capitaine Haddock. Je voulais que ce personnage féminin soit complètement loufoque, foldingue.

Le troisième personnage, ça aurait pu être un homme. Mais ce fut une autre fille. Je me suis notamment servi du témoignage d’une fille partie en Syrie et qui m’a raconté son enfermement. Mon but était guidé par cette envie de montrer la vie des femmes dans ce milieu.

En Syrakie, donc. Mais pourquoi avoir choisi un pays fictif ?

Dodo : Ça bouge tellement vite. Qu’allait-il se passer à Raqqa d’ici à la publication de notre livre. Choisir la Syrakie comme destination, c’était un moyen d’être intemporel de coller à l’actu sans y coller vraiment.

Finalement, vos copains de Charlie d’ici ou de l’au-delà, ils s’y seraient retrouvés dans votre aventure. Vous prouvez, si besoin était encore, qu’on peut rire de tout !

Dodo : Résolument, on peut rire de tout mais tout dépend de la façon de faire. Puis, on a vu tellement de reportages différents, on devait choisir un autre angle d’attaque.

Cha, près de deux ans et demi sont passés entre votre précédent ouvrage et Le voile noir. Qu’avez-vous fait pendant ce temps ?

Cha : J’ai travaillé pour différents magazines. Comme AAARG! avec un article illustré sur Cuba. Deux punks qui, à l’époque où le sujet était totalement méconnu, en totale ignorance, s’étaient injecté le virus du sida pour être admis dans un sanatorium et être nourris et logés. Il y a eu des histoires courtes aussi.

Puis, pour Topo, j’ai consacré un reportage de 25 pages, en compagnie de Sara Roumette encore à Cuba.

Cuba, vos héroïnes du Voile Noir pourraient aller y faire un tour, non ?

Dodo : Pourquoi ne pas continuer avec les mêmes personnages. Même eux nous ont confié qu’ils aimeraient bien repartir. C’est Tante Alice qui nous l’a dit

Cha : Peut-être pas à Cuba, pourtant. Dodo a d’autres idées de sujets « faciles » en lien avec l’actu. Comme les réseaux de prostitution africains.

Et quels sont vos autres projets ?

Dodo : Une histoire corse, avec Glen Chapron. Un récit de 130 pages, cette fois dénué d’humour et basé sur des faits réels, dans les années 80 et avant, entendus lorsque j’étais gamine – je suis Corse. Ça parlera de mafia, de FNLC (Front de libération nationale corse), d’omerta mais aussi, et surtout, d’une jeune fille d’origine corse qui, un jour, va être prise en voiture par un homme qui va prétendre être son demi-frère. Ce qui est impossible pour elle.

Sinon, j’ai une autre histoire d’humour couillon avec Ben Radis pour Fluide Glacial. Ça s’appelle « Bienvenue sur la planète Terre » et cela conte les aventures de deux extraterrestres qui ont tout pour eux sur une superbe planète, idyllique. Problème : ils s’emmerdent et décident donc de partir faire de l’humanitaire sur une planète en détresse: … la Terre.

Cha : Je vais refaire un reportage pour Topo avec un autre journaliste sur le problème des attaques de requins à La Réunion.

Pour terminer, votre actualité immédiate, outre la sortie du Voile Noir, c’est l’exposition de ses planches au Centre Belge de la Bande Dessinée de Bruxelles (jusqu’au 4 mars).

Cha : Oui, 27 planches originales sont exposées. Ça fait du bien, mine de rien, d’autant plus que quand je réalise une planche, tout me semble brouillon. Les voir exposer, c’est aussi intimidant. Pas désagréable du tout, pourtant, ça fait plaisir.

Merci à toutes les deux et longue vie à Pauline, Gina et Tante Alice !

Propos recueillis par Alexis Seny

Titre : Le voile noir

Récit complet

Scénario : Dodo

Dessin : Cha (Page Fb)

Couleurs : Drac, Reiko Takaku

Genre : Aventure

Éditeur : Casterman

Nbre de pages : 48

Prix : 13,95€

Publié le 19/01/2018.

Source : Bd-best

Josep Homs fait des ravages avec Shi : Â« Quâ€™importe ce que je dois montrer, que ce soient des personnages victoriens ou des vikings, il faut que le lecteur entre dans lâ€™histoire Â»

Shi’s like the wild, comme dirait Patrick Swayze ! Et la nouvelle série de Zidrou et Josep Homs n’y déroge pas appuyant avec virtuosité la furie et la folie des temps qui courent et des temps anciens, victoriens. Avec l’échine brûlée, dans une fin d’ère qui sent le roussi, le duo s’engage à tombeau ouvert derrière ses deux héroïnes, radicalement faites pour ne pas se rencontrer et pourtant. Shi, c’est le choc des mondes et des civilisations, du rationnel et du fantastique. Le deuxième tome est sorti il y a quelques semaines et nous avons rencontré son dessinateur, tout juste auréolé d’un Prix Saint-Michel. Et notre petit doigt nous dit que ce n’est pas fini.

Bonjour Josep, avec Shi, quel changement de style et de genre pour vous… qui vous va comme un gant.

Oui, c’est vrai mais je voue une réelle passion à l’époque victorienne, elle fait partie de mes grandes inspirations. Au cinéma, en littérature, dans les illustrations que je concevais plus jeune. Chez moi, je cultive aussi cette atmosphère à travers du Rimbaud, des lustres, des photos. Je l’adore pour un paquet de choses, pour ses courants artistiques mais aussi pour la différenciation sociale et salariale qui était à l’oeuvre, ce côté patriarcal, cette esthétique face à un côté sale, pauvre. Ça permet le travail des personnages.

Votre dessin est mine de rien sophistiqué. Pas trop difficile ?

Pour moi, c’est facile. Comme je l’ai dit, je fais ce que j’aime faire. Zidrou m’a offert un scénario sur-mesure, avec une narration qui me permettait de prendre le pas, d’expérimenter. Il me laisse tout faire, notamment dans la distribution des planches.

Il faut dire que comme ce n’était pas un secret que j’adorais cette période de l’Histoire, j’en ai parlé avec Zidrou qui a pris tous les éléments que je lui donnais pour en faire une histoire.

Avec certaines planches dans lesquelles vous faites l’économie des mots.

Ça fait toute la différence quand il y a des mots et quand il n’y en a pas. C’est vrai que c’est difficile de se passer de mot, il faut pourtant que l’expression des personnages soit la même que quand ils disent des dialogues. Il faut représenter tout ça. Mais, c’est quand même de toute façon la même manière de travailler. Cela dit, le scénario est assez bien écrit que pour que ça marche. C’est intéressant de pouvoir manier des moments de silence (ndlr. … relatif quand on voit l’expressivité du dessin de Josep).

Et le réalisme, où le placez-vous ?

Il a une part importante. Qu’importe ce que je dois montrer, que ce soient des personnages victoriens ou des vikings, il faut que le lecteur entre dans l’histoire, qu’il soit amené à cette époque. Dans le troisième tome, je travaille autour de l’entrée de Londres. Et, mine de rien, si cela relève de l’anecdote pour d’autres, il est important que les lecteurs qui connaissent tel lieu, telle place puisse s’y retrouver. Il s’agit d’atteindre le plus haut degré de crédibilité, de réalisme. Cela dit, c’est un plaisir plus qu’un problème.

Comme dans Millenium, les femmes ont ici aussi un rôle majeur.

C’est un autre élément qu’a amené Zidrou. J’adore les femmes, la culture japonaise, l’aventure, il a assorti tout ça. C’est un art de travailler les personnages féminins. Surtout à une époque, encore une fois patriarcale, où les femmes n’avaient pas beaucoup de latitude pour se révéler. Ici, nos héroïnes ont leur mot à dire.

Puis, ce deuxième tome marque un peu plus un basculement dans le fantastique, avec un monstre tout-puissant, un roi-démon !

Oui, c’est là qu’intervient la culture japonaise qui provoque le contraste dans cette société victorienne, la culture ancienne mais aussi le monde du tatouage qui possède une iconographie intéressante. J’ai longtemps hésité à leur donner un aspect fantastique ou pas. Puis, si je connais et apprécie le style de tatouage japonais classique, je cherchais quelque chose de plus personnel, qui soit incarné. Je ne pouvais pas représenter quelque chose qui existait déjà. J’ai donc travaillé un peu sur le style japonais mais je n’y ai pas spécialement été fidèle.

Aussi loin que ces événements puissent sembler, ils sont liés à un propos très actuel : le marché des armes, une conspiration…

La manière dont le scénario les amène est très importante. Le tout est de voir comment il y a eu cette liaison entre l’époque que nous racontons et le monde d’aujourd’hui. Il y a une continuité durant des années à exploiter, une sorte de magnificence, quelque chose qui est plus grand, qui nous échappe encore, sans savoir où ça nous mènera.

En matière de BD victorienne, qu’avez-vous aimé ?

Disons que le Peter Pan de Loisel m’a marqué à l’époque et a créé un précédent.

Comme beaucoup d’auteurs qui travaillent avec Zidrou, vous êtes Espagnol. Comment expliquez-vous que depuis quelques années, la BD franco-Belge se soit tournée un peu plus vers le talent de vos compatriotes ?

C’est une affaire de bon moment. Quand Zidrou est arrivé en Espagne, il venait d’une BD jeunesse très populaire et avait désormais besoin de faire une BD plus adulte. Alors, il a prospecté là où il était arrivé. Il a rencontré Jordi Lafebre, notamment, avec le succès qu’on connaît pour Les Beaux étés. Puis, tout s’est fait de fil en aiguille, avec le collectif « La vieille dame qui n’avait jamais joué au tennis et autres nouvelles qui font du bien », nous étions tous de Barcelone, issu de la même école, les contacts ont fonctionné, avec des ricochets. Tous plus ou moins à la même époque, nous nous sommes mis à travailler avec Zidrou. C’est facile de collaborer avec lui, il connaît l’Espagnol, les éditeurs.

Avec une petite consécration pour votre collaboration : vous avez reçu le Prix Saint-Michel du meilleur dessin, il y a quelques semaines.

La série fonctionne bien, nous avons de beaux retours, de quoi laisser penser que la série sera longue avec la possibilité de visiter différentes époques. On verra. Mais le Prix Saint-Michel, c’est la conséquence de tout un travail basé sur le scénario sur-mesure de Zidrou.

Dans un autre style, vous faites partie des auteurs qui ont rendu hommage à Franquin et à son Gaston dans un album collectif…

Je pense que Franquin et Uderzo sont les plus grands dessinateurs qu’on ait connus. Ils sont la Bible de la BD classique. C’est ce que je lisais quand j’étais enfant. L’idée, pour moi, comme j’avais compris la chose, était de trouver une manière de célébrer cet anniversaire. Je n’ai pas eu trop à présenter ce que je voulais faire chez Dupuis, j’avais la liberté mais j’ai dû chercher le bon moment pour réaliser la planche et avoir du plaisir à le faire alors que j’avais beaucoup de travail. Je l’ai réalisé avec tout mon respect, en tout cas.

Et le troisième tome, que pouvez-vous nous en dire ?

Si les deux premiers tomes s’intéressaient à présenter ces deux héroïnes, leurs origines, ce qui les a réunies, le pourquoi de leur rage. Avec le deuxième, on connaît ces personnages, leurs souffrances. On va continuer à Londres avec ce troisième tome qui s’intitulera Revenge !

Merci Josep et excellente année 2018 !

Propos recueillis par Alexis Seny

Série : Shi

Tome : 2 – Le Roi-Démon

Scénario : Zidrou

Dessin et couleurs : Josep Homs

Genre : Aventure, Historique, Fantastique

Éditeur : Dargaud

Nbre de pages : 50

Prix : 13,99€

Publié le 29/12/2017.

Source : Bd-best

Dans In Bloom, Wanch traque la vie au-delÃ du deuil : Â« Sembler juste dans le propos, dans la vision de Jeremy, un gamin de 11 ans, avec toute sa naÃ¯vetÃ© et son inexpÃ©rience Â»

Ça y est, c’est la razzia. Sans rien envier aux rayons musicaux, cinématographique ou de gaming, celui des bandes dessinées est une valeur sûre des cadeaux de Noël. Et il y a du choix. À l’heure où les mastodontes de la presse font leurs tops 10 des albums à offrir (souvent les mêmes, ultra-populaires), on a voulu vous présenter le travail de Wanch, un auteur bien de chez nous. De ceux qui nous soignent aux petits oignons sans nous envoyer dans les roses même avec des personnages à fleur de peau. In Bloom, c’est le premier album de ce Montois qui a du talent à revendre. Rencontre.

Bonjour Wanch, la première chose qu’on voit de vous, c’est cette couverture minimaliste blanche, vide autour d’un personnage assis sur une chaise et face à un pot de fleur. Comment avez-vous conçu cette couverture ? Après beaucoup de recherches ? Là où certains jouent la surenchère, vous jouez la sobriété mystérieuse, non ?

Pour la couverture, il y a eu deux phases. Alors que j’y réfléchissais, un jour je suis tombé par hasard sur une photo dans un journal. Il s’agissait de la photo « Graine de pavé » du photographe Irving S.T. Garp, on y voit une petite fille assise sur une chaise et regardant une fleur pousser entre les pavés. J’ai tout de suite su que je voulais m’en inspirer pour la couverture de l’album, c’était une évidence, et quand j’ai vu que l’auteur de la photo était de ma région, ça n’a fait que renforcer mon élan. Je l’ai contacté pour avoir son autorisation et il a très gentiment accepté.

Ensuite, je ne voulais évidemment pas faire une pâle copie mais réinterpréter à ma sauce. Et le côté épuré qui devait appuyer l’isolement de Jeremy et de la fleur s’est imposé naturellement. Dans l’histoire, ils sont un peu seuls au monde et tout ce qui les entoure devient « effacé » pendant un moment. Le choix du blanc aussi était volontaire ; je voulais qu’on ne voie qu’eux et puis, en librairie, on voit beaucoup de couvertures avec pas mal de couleurs, je voulais trancher avec ça, me démarquer un peu.

La parution d’un premier album, c’est toujours une aventure plus ou moins facilitée par divers facteurs. Mais, avant d’aborder In Bloom, qui êtes-vous ? Qu’est-ce qui vous a filé le virus de la BD ? Y’a-t-il un album, un auteur qui vous a donné envie d’en faire ? Avec quels maîtres ? Quel a été votre cursus ?

C’est cliché de dire ça mais j’ai toujours dessiné et, à l’âge où la plupart s’arrête, moi, j’ai continué. Pour la bande dessinée, il y a deux personnes qui ont été déterminantes dans mon parcours. Alors que j’avais 11 ans et que j’étais déjà bien atteint du virus de la bd, j’ai eu la chance de rencontrer à plusieurs reprises le dessinateur vietnamien Vink par le biais de personnes de ma famille. J’ai passé chez lui quelques journées à le regarder travailler dans son atelier et à boire ses paroles. Cette rencontre a été déterminante dans mon parcours. Je suis sorti de là complètement émerveillé.

Vink a un talent immense mais, surtout, c’est une personne d’une grande gentillesse. Deux ans plus tard, j’ai fait ma seconde rencontre importante ; je me suis inscrit à un cours du soir de BD animé par Antonio Cossu. Je l’ai ensuite retrouvé quand j’ai entrepris mes études en bande dessinée et illustration aux Beaux-Arts de Tournai. Plus qu’un simple prof, Cossu a aussi pas mal influencé ma vision et ma culture en bd. Il a notamment participé à certaines « claques » artistiques que j’ai prises en me faisant découvrir des auteurs comme Breccia ou Prado.

Cela fait sept ans que vous dites vous être impliqué sérieusement dans la bande dessinée. Ça signifie quoi ? Ce sont des sacrifices ? En sept ans, que s’est-il passé ? Des bonnes surprises ? Des regrets ? La découverte d’un monde où il est difficile de parvenir à ses fins ? Une affaire de persévérance ? Qu’est-ce qui fait progresser ?

En fait, j’ai dû interrompre mon cursus aux Beaux-Arts et revoir ma trajectoire pour des raisons disons principalement alimentaires. Du coup, je me suis éloigné du dessin et de la bd pendant quelques années. Mais naturellement, ça a fini par tellement me re-démanger que je m’y suis remis il y a plus ou moins 7 ans. Mais la bd ne me nourrit pas et n’est toujours pas mon activité « principale », j’ai donc dû arranger mon temps en fonction de cela. Et donc oui, c’est pas mal d’efforts ; la bd est quelque chose d’assez chronophage déjà quand on la pratique à plein-temps. Mais quand on a une autre activité à côté, ça complique encore un peu les choses.

Alors, oui, en sept ans, pas mal de choses se sont passées. Même si je connaissais un peu le milieu via des amis qui font de la bd, j’ai vraiment appris à découvrir les difficultés du métier au cours de ces dernières années. On est loin du cliché de l’artiste bohème qui flâne. L’auteur bd est un bosseur, il bosse dur et pas toujours forcément pour une rétribution à la hauteur de ses efforts.

Malheureusement, j’ai aussi découvert la précarité du métier. Finalement, peu d’auteurs ou de dessinateurs vivent décemment de la bd. C’est presque étrange de dire ça mais je répète souvent que j’ai la « chance » que ce ne soit pas mon activité principale, celle qui me nourrit.

Un extrait d’un projet sur Mons, Van Gogh, Arne Quinze et les autres. © Wanch

Vous avez déjà quelques salons BD au compteur, outre vos dédicaces, mettez-vous ces événements aussi à profit pour aller à la rencontre d’autres auteurs de BD ? Des anecdotes ?

En fait, oui, comme la plupart du temps, on bosse comme un ermite dans son atelier, les salons sont la bonne occasion pour revoir les copains/collègues et justement échanger sur le boulot. Je n’ai pas vraiment d’anecdote avec d’autres auteurs bd si ce n’est que parfois, alors que j’étais assez intimidé de rencontrer certains maîtres de la bd, j’ai été assez positivement étonné de voir à quel point certains sont d’une grande humilité.

Notamment, Cauvin qui est une personne très simple et chaleureuse. Sinon, c’est plus avec le public que j’ai quelques anecdotes. J’ai, par exemple, lors de mon tout premier salon en tant qu’auteur, eu un monsieur qui m’a tendu sa carte d’identité. J’ai regardé la carte et lu qu’il s’agissait d’un Monsieur Bloom. Et là, il m’a dit avec un grand sourire : « Je vais prendre l’album et je veux une dédicace bien sûr ! ». Dans un style plus étrange, j’ai aussi eu droit à une personne qui m’a demandé de lui dédicacer avec un dessin … un marque-page. Les temps sont durs pour les lecteurs aussi apparemment !

Comment définiriez-vous votre trait ? Votre méthode de travail ?

C’est toujours difficile de définir son propre trait … Je dirais que je suis dans un style franco-belge réaliste. Étrangement, alors que j’en ai lu très peu, on me parle parfois d’influence manga dans mon dessin. J’imagine que ça doit être des réminiscences de mes visionnages de Goldorak et autres Albator que j’ai dessiné des milliers de fois quand j’étais enfant.

Je ne pense pas avoir de méthode de travail particulière ou en tout cas pas très différente des autres dessinateurs ou auteurs. Je dirais que je suis assez structuré. Du moins, en bd. Je laisse peu de place au hasard ou à l’impro. J’ai besoin que tout soit écrit, de savoir où je vais. Après, du point de vue du dessin, je m’adapte à l’histoire. Il faut que le graphisme serve l’histoire.

Pour « In Bloom », le travail des planches a été assez laborieux. Déjà, parce que l’histoire comporte deux ambiances, une colorée et une autre dans les tons sépia. Pour les planches en « sépia » notamment, il y a eu pas mal de boulot car j’ai travaillé en traditionnel en encrant les planches, puis en posant les ombres à l’aquarelle ( lavis ) et enfin, en rehaussant avec des couleurs via Photoshop. Pour la suite, je me suis promis de ne plus m’imposer autant de couches mais tout dépendra de l’histoire finalement.

Crayonné/Encrage/Lavis/Couleurs © Wanch

Quand on lit In Bloom, on pense à plein de choses. À commencer par Nirvana, que vous n’avez pas le temps de citer dans l’album. Que signifie-t-elle cette chanson pour vous ?

Haha, on me l’a déjà fait remarquer mais rien à voir avec la chanson du groupe grunge ! Je suis vraiment parti de l’expression en elle-même même si bien sûr je me doutais qu’on ferait le rapprochement avec la musique. La chanson n’évoque pas grand-chose pour moi. J’ai écouté Nirvana à l’époque mais de la vague grunge, je retiens plus des groupes comme Soundgarden ou Alice In Chains que j’écoute encore maintenant d’ailleurs.

La fleur, c’est le symbole majeur de cet album, réincarnation d’une maman partie beaucoup trop tôt. L’idée de la fleur s’est très vite imposée ?

Oui, très vite ! En fait, j’ai eu l’idée alors que j’étais encore aux Beaux-Arts. Je m’étais dit que l’idée avait du potentiel et que je devais la garder pour plus tard. Bon, je n’imaginais pas qu’il me faudrait autant d’années pour y revenir.

Qu’est-ce qui vous a inspiré cette histoire de triangle brisé entre un enfant, son père et cette maman disparue ?

Au départ, j’avais pensé à un vieil homme veuf qui s’occupe d’une fleur. Mais je me suis vite dit que ce couple où le seul à parler serait le vieil homme limiterait les interactions. De là m’est venue l’idée du triangle familial.

Ce triangle finalement destructeur, l’avez-vous forcé à s’ouvrir à d’autres personnages pas toujours positifs ? Comment conçoit-on un personnage ? Beaucoup de recherches ?

Pour rejoindre ma réponse précédente, je pense que pour être riche une histoire doit contenir des interactions, l’ajout des personnages entourant les héros s’est fait très naturellement à l’écriture. Il n’y a pas vraiment de formule pour créer un personnage.

Quand je suis au stade du scénario, en général dès que j’ai la trame de base, l’écriture est assez fluide et les personnages se construisent en même temps que le récit de façon presque inconsciente. Les personnages suivent en quelque sorte ma logique liée au récit. Au niveau du dessin, là c’est au cas par cas. Parfois, on galère, on dessine beaucoup pour trouver la bonne tête alors qu’à d’autres moments, on chope directement le physique du perso. Il n’y a pas de règle.

C’est un sujet fort. N’est-ce pas dur à appréhender quand on est encore un jeune auteur ?

Pour être honnête, quand je me suis remis à la bd, je pensais laisser « In Bloom » de côté pour un moment où je serais plus « mûr », je ne voulais pas que ce soit mon premier album. Je ne me sentais pas prêt pour être auteur complet et pas sur un sujet aussi fort justement. Je me suis donc mis en recherche d’un éventuel scénariste avec qui travailler.

Mais, même si un projet ou deux ont failli démarrer, ça a, à chaque fois, calé pour une raison ou autre. Un peu par dépit, je me suis attaqué au scénario de « In Bloom » et une fois que les choses ont été lancées, je n’ai plus vraiment réfléchi au poids du sujet. Mon seul objectif était de sembler juste dans le propos, dans la vision de Jeremy, un gamin de 11 ans, avec toute la naïveté et l’inexpérience que ça comporte face à une chose telle que le deuil.

Jérémy, votre héros fragilisé par un père éteint et des « camarades » d’école pas tendres passe dont le clair de son temps auprès de sa fleur, la soigne, lui parle… Impossible de ne pas penser au Petit Prince et à sa Rose, ça vous a effleuré ? Plus loin, on pense aussi à une imagerie populaire, un peu de Little Nemo, une pleine page qui évoque Jack et le haricot magique… ça vous parle ?

Hé bien, avant d’avoir terminé l’album et après même sa sortie, je n’avais rien relevé de tout ça … ou en tout cas, pas consciemment. C’est quand j’ai vu « Le Petit Prince » réalisé par Mark Osborne que j’ai eu un choc. Je me suis demandé comment j’avais pu zapper ça, un gamin et une fleur, et comment aucun lecteur avait pu ne jamais me le faire remarquer. Donc, bien vu, bravo à toi ! Après, bien sûr, quand j’y pense, oui, toutes ces oeuvres ont eu un impact sur moi, la preuve. Mais ça a vraiment été inconscient pendant l’élaboration du livre.

Il y a la fleur mais aussi un appareil photo. Celui, omniprésent, que le papa utilisait irrémédiablement… jusqu’à la mort de sa femme. Alors, l’appareil photo devient un objet perdu, perdurent juste deux ou trois clichés. Il représente quoi cet appareil photo ? Ce père a-t-il eu si peur de passer à côté de l’instant présent qu’il l’a capturé ?

Oui, avec l’appareil photo, il y a un peu de ça. Il y a aussi le fait qu’il idolâtre sa femme et, d’une certaine façon, pense n’exister qu’à travers elle. Mais l’appareil photo est aussi un instrument qui va créer le souvenir, le lien qui va continuer de nourrir Jeremy.

Je lis aussi dans les remerciements que vous vous êtes notamment inspiré du travail de deux photographes ?

Il y a le photographe Irving S.T. Garp dont j’ai parlé pour la couverture. Et je me suis aussi inspiré quelques photos de Thomas Sluys que je connais depuis quelques années et dont j’apprécie beaucoup le travail. Ce sont essentiellement des photos de nature. Je me sens très proche du travail de Thomas, de ses choix, de ses tons, de ses cadrages. Et c’est donc assez naturellement que j’ai eu envie prendre inspiration de certaines de ses images pour produire les miennes.

Entre photo et BD, il y a des liens, des allers-retours ? Que permet le dessin que la photo ne permet pas ?

Il y a clairement des liens. Je pratique la photo en amateur et, quand je prends une photo, je pense lumière, je pense cadrage, je pense ambiance, je pense composition. Autant de choses auxquelles je pense aussi quand je fais de la bd. Dans les deux cas, on doit faire les bons choix pour raconter ce qu’on veut.

Une évocation du Joker… © Wanch

Je peux me tromper mais je pense que le dessin doit parfois avoir plus un rôle d’évocation sans forcément retranscrire complètement la réalité. Il doit pouvoir faire plus appel à l’imaginaire du spectateur. Bien que certaines photographies aient ce pouvoir là aussi. Comme j’aime énormément les deux arts, j’avoue que j’ai du mal à les départager, d’ailleurs le faut-il ?

… et de Batman © Wanch

Oh que non ! Quand on parle de photo, on parle aussi de traitement des couleurs qui n’est pas absent dans votre album. Avec des passages sépia pour le présent (si ce n’est pour la fleur, toujours en couleurs) et marquer l’absence et de la couleur pour évoquer le passé quand la famille était unie et joyeuse. C’est un peu à contre-courant de l’utilisation des couleurs pour les flashbacks, en général, non ?

Je vais clairement à l’inverse de ce qui se fait habituellement. Mais pour moi, plus que d’une contradiction, c’est parti d’un constat logique de ce qui se passe dans le récit : « Avant on était heureux, il y avait des couleurs et maintenant, la vie est morne, terne ». Maintenant, je ne vais pas mentir, j’aime bien casser les codes, sortir un peu des conventions. Et je pars aussi du principe que le lecteur est intelligent, il n’a aucun souci à sortir des courants et à s’adapter pour autant que la lecture lui en donne l’opportunité.

Vous fonctionnez à l’économie des mots, non ? Avec des séquences « muettes ». Est-ce naturel où vous forcez-vous à faire passer le plus de chose par votre trait ?

Ce n’est pas calculé. Le récit est vu du point de Jeremy, un enfant renfermé et introverti. Son père est enfermé dans sa dépression, presque muet. Tout ça me paraissait logique. Et oui, j’avais envie que beaucoup de choses passe par les regards, les émotions, les gestes. Dans ce deuil, ils sont clairement tous les deux dans le non-dit, on ne se parle plus dans cette famille.

Et en même temps, ils sont à fleur de peau, l’essentiel devait passer par l’émotionnel retenu ou explosif. Évidemment, l’économie de mots signifie aussi un certain challenge au niveau dessin ; il faut pouvoir tout faire passer de façon juste et c’est un exercice que j’aime assez. Peut-être qu’un jour, je m’attaquerai à un album complètement muet, qui sait !

Dans les moments les plus expressifs, il y a ces passages fantastiques. Comment négocie-t-on cette incursion paranormale ? Faut-il éviter d’en faire de trop ?

Quand j’ai commencé « In Bloom », dans le cahier des charges, je voulais dessiner de l’onirisme, du fantastique. Comme le sujet est assez grave, je voulais une histoire qui respire malgré tout. Le fantastique y participe, je l’espère. Après, ce n’est pas à moi de dire s’il y en a trop ou pas assez.

L’écriture de l’histoire a été assez « automatique » et certaines choses ne me sont d’ailleurs apparues clairement qu’après coup ( ex : la référence au Petit Prince ). Je savais juste que Jeremy était un gamin isolé, introverti et rêveur et que l’histoire devait être perçue à travers ses yeux et son imaginaire. Et j’avais aussi envie de passer au lecteur cette ambiguïté qu’on retrouve dans l’enfance, cette limite entre ce qui est réel et ce qui est rêvé, ce qui se passe et ce qu’on fantasme. On ne sait finalement pas ce qui s’est réellement passé ou pas, on sait juste ce qu’a vécu ou cru vivre Jeremy.

Finalement, l’album que nous tenons en main, il est semblable aux premières planches que vous avez dessinées pour ce projet ? Ou, au contraire, y’a-t-il eu d’autres versions ?

Vu mon emploi du temps non complètement dédié à la bd, l’élaboration de l’album a pris près de 3 ans et demi. Du coup, pendant ce temps, mon dessin a évolué et, arrivé au tiers de l’album, quand je regardais les premières pages, je me disais que la différence de niveau était trop grande. J’ai donc refait quelques pages et cases du début mais pas tant que ça au final. Il faut savoir s’arrêter.

Ce n’est pas déprimant de devoir œuvrer face à des personnages qui tirent la gueule (et on ne voit pas comment ils pourraient faire autrement, les pauvres) durant la majorité de l’histoire ?

Ha, il y a des jours où on est moins enthousiaste de les retrouver, c’est sûr. Ceci dit, je pense que même les dessinateurs de personnages joyeux qui bossent plus d’un an sur un album doivent aussi avoir des bas. Maintenant, soyons honnêtes, je dessine rarement des gens heureux et j’éprouve même un certain plaisir à les faire galérer. Et ce qui m’a un peu sauvé, c’est que même si le sujet est grave, je pense qu’il y a une part d’espoir dans cette histoire.

Réaliser un album, c’est une chose, ensuite il faut le publier ? Ce fut compliqué ?

Oui, assez compliqué. Je suis passé par pas mal de déboires. D’abord, pas mal de refus. Puis, parmi les intéressés, quelques cas de figure différents. L’éditeur qui aime votre histoire … mais veut tout changer. L’éditeur qui veut vous publier mais ne vous répond plus quand vous lui demandez le contrat. L’éditeur qui vous signe mais s’avère être un escroc, ne vous paie pas et finit par mettre la clé sous le paillasson. Bref, ce n’était pas gagné pour « In Bloom ». J’ai même failli complètement abandonner le projet.

Qu’est Rodelbas ? Vous êtes aussi passé par BDLabo, une nouvelle structure pour les auteurs BD. Que permet-elle ?

Après mes déboires, un éditeur a signé « In Bloom » et l’album est sorti une première fois. Mais la collaboration n’a pas été optimale. Nous n’étions pas d’accords sur divers points dont le plus important pour moi: le livre ne ressemblait pas à ce que je souhaitais. Après quelques temps, j’ai donc décidé de casser le contrat et de récupérer mes droits. C’est à ce moment que j’ai créé les éditions Rodelbas pour sortir un artbook et aussi tenter une auto-édition de « In Bloom » tel que j’aurais voulu qu’il sorte la première fois. Pour l’impression des albums, je me suis adressé à l’imprimerie Stimanne qui était justement occupée à créer BDLabo.

C’est une structure qui permet justement à des auteurs comme moi d’imprimer des livres de qualité sans tomber dans des budgets à risque en utilisant notamment l’impression numérique qui peut se faire en quantité réduite et à la demande. La structure permet aussi de vendre les livres sur leur site web. Ce qui n’est pas négligeable quand on est auto-édité et forcément très peu diffusé en librairie. Je suis très content de ma collaboration avec eux. C’est une équipe sérieuse et dynamique qui a fait du très bon boulot sur mes livres. J’en profite d’ailleurs pour glisser le lien où il est possible d’acheter « In Bloom ».

L’ouvrage publié, il y a des rencontres avec le lecteur, des dédicaces ? Qu’en retirez-vous ?

Beaucoup ! Les rencontres avec les lecteurs sont clairement enrichissantes et un boost pour moi. Et c’est bien de mettre un visage sur les personnes qui vous lisent. Au début, j’avais tendance à me dire que de par son sujet l’album allait me donner un public restreint mais finalement, je rencontre des gens de tous horizons. Et la cerise sur le gâteau, ce sont les retours que me donnent les lecteurs qui sont jusqu’à présents très positifs et sont aussi souvent assez émouvants parce que beaucoup me disent s’être retrouvés d’une façon ou d’une autre dans « In Bloom ». Quand on fait des livres, c’est la meilleure récompense. Vu la difficulté du métier, ce lien-là est essentiel pour garder l’énergie.

Quelle est la suite pour vous ? D’autres projets ? Avec de la neige, si j’en crois votre page Facebook ?

Les pages de neige sur Facebook sont en fait d’anciennes pages. Elles sont issues d’une histoire courte réalisée avant « In Bloom » en forme d’échauffement.

En projet, il y a un autre album BD, un one-shot également. Une histoire assez sombre ( on ne se refait pas ! ). C’est une histoire de famille, encore une, assez torturée et conflictuelle. Là, par contre, exit l’onirisme, on est sur du réalisme assez dur. J’ai réalisé près de la moitié des pages pour l’instant.

Et en parallèle, je travaille sur un livre jeunesse, une sorte de conte, que j’espère pouvoir sortir au printemps 2018.

Pour finir, y’a-t-il des BDs, des lectures qui vous ont marqué dernièrement ? Pourquoi ?

La dernière BD que j’ai vraiment beaucoup aimé est « Russian love to red king » de K. Et S. Immonen. Une belle histoire qui parle de la séparation, du manque, de l’absence ( je ne l’ai pas fait exprès ). J’ai lu cette bd deux fois d’affilée et j’ai tout aimé. Le texte est juste, la narration sans faille, le dessin beau. Vraiment un très beau livre que je recommande vivement.

Bonne route et courage pour la suite ! Et joyeux Noël, surtout !

Propos recueillis par Alexis Seny

Titre : In Bloom

Récit complet

Scénario, dessin et couleurs : Wanch (Page Fb)

Genre : Drame, fantastique

Auto-édité chez Rodelbas

Nbre de pages : 66

Prix : 15,09€

Publié le 21/12/2017.

Source : Bd-best

Marion Duclos, sur la piste de lâ€™exil espagnol : Â« Laisser mes intervenants discuter entre eux tout en faisant que le lecteur puisse, lui aussi, discuter avec eux Â»

Elle est mignonne cette petite Vespa 400 pas franchement rapide mais utile à nous emmener sur les traces du passé. Dans un road-trip humain et attachant, Marion Duclos entraîne Ernesto, vieil Espagnol arrivé en France pour fuir le franquisme, dans une course contre-la-montre (mais pas trop pressée) et à la vie en quête du lien social et culturel d’Espagnols qui comme lui ont dû quitter le pays quand Franco est arrivé au pouvoir. Et forcément dans l’euphorie des retrouvailles, c’est aussi un passé dramatique, déracinant mais méconnu, qui se dévoile. Marion Duclos fait se délier les langues dans cette oeuvre généreuse et importante. En voiture pour une rencontre enrichissante.

Bonjour Marion, vous n’êtes pas une exilée espagnole, pourtant vous semblez tellement imprégnée de cette culture. Comment Ernesto est-il né ?

Quand j’étais enfant, la meilleure amie de ma maman était issue d’une famille d’exilés espagnols. Avec sa fille, nous nous entendions bien, et nous allions souvent voir son grand-père et sa grand-mère. Ceux-là que je finirais par appeler mes Yayo, Yaya sans savoir ce que cela pouvait signifier. Et forcément, je les entendais discuter, parfois s’engueuler même, avoir des conversations politiques. De quoi nourrir mes questions plus tard quand je m’intéresserais à l’ampleur de cet exil.

Et cet album, il a fallu, même si vous avez réalisé d’autres albums et collaborations entre-temps, dix ans pour que vous l’aboutissiez.

J’ai dû prendre confiance en moi, avoir le souci de la justesse. Cet album, ce fut un gros travail d’enquête, des rencontres. Je ne voulais pas m’arrêter aux personnes que je connaissais. Et même si elles ne se rencontraient pas, je voulais les faire intervenir virtuellement, prendre le temps de la rencontre et savoir ce que j’allais raconter. Si ça allait être un livre d’histoire ou un livre dans lequel les gens racontent leur histoire ? Finalement, j’ai opté pour la deuxième solution sans oublier l’Histoire avec le dossier pédagogique en fin d’album. Mais il fallait apprendre à raconter, et comme je m’y suis mise sur le tard, il a fallu trouver le bon ton.

Puis, la guerre d’Espagne est étrangement méconnue, même chez les gens cultivés. Comme bien d’autres, malheureusement, cela dit.

Des rencontres, il y en a eu beaucoup, j’imagine ?

Combien, je ne sais pas. D’autant plus que j’ai parfois créé certains personnages à base de plusieurs témoignages et certains témoignages transparaissent à travers plusieurs personnalités. Mais les témoignages sont bien réels, j’ai repris certaines phrases, certaines expressions texto.

Mais n’est-ce pas difficile de faire parler ces personnes qui ne parlent parfois même pas de leur exil dans leur propre famille ?

Heureusement, j’étais parfois introduite notamment parce que dans mon cercle d’amies, il y a quelques petites-filles d’exilés espagnols à Bordeaux. Il y a eu des rencontres de fil en aiguille. Des rencontres au hasard, une discussion avec un inconnu dans le train qui se trouvait être lui aussi un émigré.

Si j’en suis arrivée à discuter ma légitimité ? Quelqu’un m’a bien demandé ce qu’une Française venait faire dans cette histoire ? (J’ai d’ailleurs opposé cette réflexion, mot pour mot, à Thomas, le Français de cette aventure) Je ne pouvais que répondre que si je ne pensais pas que cette aventure était importante, je n’aurais pas été vers lui. Que cela se fasse en BD ? peu importe le média, l’importance pour moi était d’en parler, et de bien le faire. Entre le moment où j’ai commencé et la parution de mon album, il doit y avoir eu une vingtaine de bouquins sur ce sujet, je me suis forcément demandé quel intérêt mon livre aurait.

Parmi mes amis, beaucoup sont des descendants de cette vague d’Espagnols républicains qui ont été obligés de fuir leur pays. Plus je parlais, plus j’en découvrais que cette grand-mère au prénom pourtant pas hispanique était une Espagnole. J’ai eu envie de partager tout ça. Et oui, peut-être que le fait d’être extérieure m’a permis de libérer la parole.

D’autant plus que vous ne l’orientez pas. Une fois la vanne ouverte, vous dessinez cette scène de banquet où vos héros partent dans une véritable joute verbale, pas toujours d’accord entre eux.

Cette scène de dialogues fut très difficile à écrire. Il fallait que je parvienne à laisser les gens discuter entre eux tout en faisant que le lecteur puisse, lui aussi, discuter avec eux.

Une adhésion rendue plus facile grâce à des phylactères conçus comme des petits nuages, plus léger ou plus opaque en fonction des moments.

C’est spontané mais j’en ai joué pour que leurs formes indiquent le ton, l’intention des mots. Qu’une certaine franchise soit induite et que certains nuages soient aussi plus doux, en effet.

Ce roman graphique, il fut compliqué à terminer?

Qu’il est compliqué de mettre un point final ! Surtout avec autant de matière. De tous les témoignages collectés, je dois avoir utilisé 20% au final, en devant évacuer certaines expériences fines et touchantes. C’est dur, mais je ne pouvais pas me permettre de faire une bande dessinée de 1480 pages. Ça aurait été indigeste.

Qu’est-ce que votre trait a évolué depuis 2010 quand vous publiiez Ernesto en ligne sur Coconino.

Oui, vous avez trouvé ça ? (elle rigole) À l’époque, mon trait était complètement obsessionnel. Je recherchais la spontanéité à l’état pur. Cela ressemblait finalement à du storyboard. Mais ces planches mal faites, j’ai dû les refaire dix fois !

Dans la pratique, je changeais tout le temps d’outils. Le travail sur mon précédent album, Victor et Clint, m’a aidé à épurer mon trait. Mes discussions avec mes éditeurs, Vincent Henry chez la Boîte à Bulles et Christine Cam chez Casterman m’ont aidé aussi. Ils sont ouverts à la discussion ou à m’amener à tester des choses.

Pour les couleurs, ce fut aussi laborieux, j’ai dû faire 4-5 versions.

Votre héros, Ernesto se fait une joie de repartir en Espagne, son pays. Pourtant, dans votre road-trip, il ne va pas quitter le territoire français.

En prenant le large, il va se rendre compte que ce qu’il cherchait ce n’était pas un pays, pas une terre, mais des gens avec qui partager son rêve humaniste. Il va retrouver ses pairs, ceux qui ont vécu le même exil et dans les souvenirs, on le voit même rajeunir.

Outre l’aspect dessiné, dans un moment suspendu, vous faites se croiser deux poèmes, un de Rafael Alberti, l’autre de Manuel Azaña.

C’était évident, représentatif de l’état du personnage qui va se prendre les souvenirs en pleine face.

Finalement, cet exil nous ramène à un autre, celui connu par pas mal de « migrants » comme nos médias les ont appelés. Et rien n’a vraiment changé, même s’il n’y avait pas de réseaux sociaux à l’époque de leur exil, « vos » Espagnols ont souffert du regard sévère des Français.

C’est un éternel recommencement, je ne comprends pas. (silence). Pendant mon storyboard, je voyais l’actualité me rattraper. Bien sûr, il faut faire la part des choses, ne pas se laisser au rapprochement rapide de deux réalités mais oui, il y a éléments communs. Comment parler de ces événements, il y a 70 ans, sans les mettre en rapport avec ceux d’aujourd’hui. Finalement, ces Espagnols arrivés en France, malgré tous leurs malheurs, ont permis sans aucun doute à la France de s’enrichir culturellement. Alors qu’ils ont été si mal accueillis.

Si mal accueillis mais, aujourd’hui, eux et leurs descendants sont toujours là en France. Ils ont continué à vivre et ont trouvé leur place en France, non ?

Ils ont continué à vivre… mais ils ont beaucoup perdu. Certains ont continué de faire vivre leurs convictions, de s’investir dans l’associatif, dans la politique, dans la vie culturelle française.

Cette BD du réel, qu’est-ce qui vous a amené vers elle ?

Pendant la gestation d’Ernesto, il y a plein de trucs que je me suis interdit de lire. Je voulais éviter les réminiscences. Dans les remerciements, je rends hommage au poète et écrivain toulousain Serge Pey dont Le trésor de la guerre d’Espagne m’a marqué. Ce sont des témoignages sous forme de nouvelles. C’est tellement beau.

Lors d’une lecture dessinée, Marion a mis en dessin des morceaux du Trésor de la Guerre d’Espagne de Serge Pey © Marion Duclos

En BD, il y a le travail de Rabaté et Prudhomme sur Vive la marée, je suis admirative de la justesse qu’ils sont parvenus à trouver. Après, il y a plein de gens que j’admire dans leur travail de retranscription. Un Riad Sattouf, c’est une évidence.

Ernesto vous a aussi permis de rencontrer des élèves de 14-16 ans, collégiens et lycéens du groupe scolaire Stendhal à Aiguillon. Comment cette rencontre s’est-elle passée ?

Le but était d’ouvrir la discussion au-delà des souvenirs de la guerre d’Espagne. Force est de constater que c’est difficile, voire impossible, pour ces enfants d’analyser cette tonne d’infos qui s’empilent. Finalement, ils digèrent peu de choses et ne reçoivent pas forcément les clés de lecture par les médias. Ainsi, dans leur classe, j’ai préféré dessiner les dialogues plutôt que de les écrire. Et au moment de montrer cette situation des Espagnols pris en étau entre les fascistes allemands et italiens, j’ai dessiné une croix gammée qui se transformait en avion.

Le dessin d’un élève.

Et là, un élève m’a demandé : « Mais vous n’avez pas le droit de dessiner des croix gammées ! » Ça montre à quel point ils sont emmêlés ses jeunes pour lesquels le mot « républicain » se rapporte uniquement à un parti politique. D’où l’importance de l’éducation. On a parlé des campagnes d’alphabétisation dans les usines ou au front pendant la guerre, il m’importait de leur donner une indication sur leur chance d’être éduqués, de se cultiver intellectuellement. La médiation, ça me plait.

Sur votre blog, j’ai vu la petite Lucia (qui se pare des plus belles couleurs de la culture espagnole dans votre album) s’animer. Vous aimez l’animation ?

J’aime la recherche du mouvement mais aussi le danger. En ce moment, il y a peut-être moyen que j’assouvisse cette envie : j’écris un court-métrage avec une amie romancière, Laurence Vilaine. C’est compliqué de s’accorder à deux têtes, d’avoir une même vision des choses, des intentions profondes. Nous voudrions faire huit minutes de film mais pour le moment, on a écrit vingt ou trente minutes. L’histoire est issue de l’expérience de Laurence qui a tenu un atelier d’écriture pour des femmes à Alger. Pour se décloisonner, elle a, à un moment donné, proposé d’aller écrire sur une plage de Bab el Oued. Elle ne s’attendait pas à ce que ce soit si difficile de s’y retrouver tant ce quartier évoquait des craintes. C’était naïf pour Laurence mais ça lui a permis de parler de ce moment-là.

Après, il faut trouver comment l’aborder, en évitant le regard que peut avoir la femme occidentale issue d’un pays anciennement colonisateur. Mais on est suivies par les femmes de cet atelier, elles permettent de lever les doutes par rapport à des barrières qu’on pourrait se mettre mais qui n’auraient pas de raison d’être. Il faut trouver le point de vue, la finesse. Le thème, c’est la femme dans l’espace public. C’est passionnant mais très difficile, finalement.

Les femmes du projet de Laurence Vilaine et Marion Duclos
© Marion Duclos

D’autres projets ?

Là, ça se complique. C’est une autoroute à trois voies qui s’offre à moi et, pour le moment, j’avance sur… toutes. Outre le court-métrage, j’ai un projet jeunesse personnel, j’ai postulé pour une résidence. On verra si je suis prise. Si oui, je prendrai le temps de le concevoir là-bas.

J’ai un autre projet avec Olivier Ka, une adaptation de conte macabre !

Brrrr… changement de genre qui donne envie ! Belle continuation en Vespa 400 ou pas.

propos recueillis par Alexis Seny.

Titre : Ernesto

Récit complet

Scénario, dessin et couleurs : Marion Duclos

Genre : Road trip, Histoire, Chronique sociale

Éditeur : Casterman

Nbre de pages : 160

Prix : 20€

Publié le 15/12/2017.

Source : Bd-best

Laurent Zimny rÃ©invente les hÃ©ros de la BD toujours plus pop et top : Â« Voir jusquâ€™oÃ¹ je peux aller dans la simplification tout en restant fidÃ¨le au personnage Â»

Véritable curiosité des réseaux sociaux et de plus en plus de salons, Laurent Zimny dépeint un monde de héros (pas que super, d’ailleurs, car il y en a pour tous les goûts) à sa façon et en dessin vectoriel totalement assumé. Réinventions haute en couleurs, les créations toutes personnelles de cet artiste sur le tard (mais qui n’a, au vu de ses oeuvres, pas à le rattraper, le retard) font leur chemin, entre vintage et futurisme, tout en nous ramenant en pleine face ces personnages mythiques de la BD, du cinéma ou, plus généralement, de la pop culture en pleine figure. Même pas mal ! Interview avec ce génie naissant lors de son passage à la Fête de la BD d’Andenne.

Popeye © Laurent Zimny

Bonjour Laurent, cela fait finalement très peu de temps qu’on vous voit souvent passer sur les réseaux sociaux avec vos relecture graphique de super-héros (et d’autres).

C’est vrai, ça fait un an et demi, deux ans. J’étais architecte, avant. Mais, quand j’étais jeune, je voulais faire de la BD, je devais avoir quinze ans, mes parents ont refusé.

Du coup, j’ai passé un bac technique, je l’ai raté avant de le repasser avec la certitude de ne pas rester dans ce milieu. J’ai donc opté pour un compromis : l’architecture. Ainsi, je pouvais dessiner et mes parents considéraient que c’était « un métier ». En tant qu’architecte, je me suis spécialisé dans la 3D et la perspective.

J’ai ensuite créé avec des amis plusieurs structures d’architecture et donc fait mon métier d’architecte jusqu’il y a quatre ans quand on a dû déposer le bilan. J’étais à vide, avec du temps, plus de boulot, pas d’argent mais plus rien à perdre et aucun manque du monde de l’architecture. Je suis retombé dans mes premiers amours. J’ai repris des encres, des acryliques et surtout le… dessin vectoriel.

En un mois, j’avais dessiné une trentaine de personnages et, notamment, un Surfeur d’Argent qui a fait mouche sur les réseaux sociaux.

Le surfeur d’argent © Laurent Zimny

À ce moment-là, les gens se son mis à me demander de dessiner des personnages. Sur ces mêmes réseaux, j’ai commencé à avoir des commentaires m’incitant à faire une exposition. Je n’en voyais pas l’intérêt à l’époque. Mais j’ai tenté l’expérience quand même et la première exposition a eu lieu au Caf&diskaire de Lille dont un des patrons est fan et lecteur de comics, ça tombait bien, j’adore leur programmation et leur bistrot ! L’expo devait rester accrochée durant deux semaines et qui ont finalement tenu trois mois. C’était super.

La guêpe © Laurent Zimny

Qu’est-ce qui fait votre culture BD ?

En franco-belge, Les Petits Hommes du regretté Pierre Seron. Je les ai lus et relus. Eslapion, ce fut ma première leçon d’architecture. Puis il y a eu les comics pocket en noir et blanc. Mes premiers comics furent des fumettis. Diabolik, aussi. Puis, Swamp Thing, la créature du marais, tellement étrange mais tellement fascinant. Après, j’ai arrêté d’en lire, parce que là où je vivais il n’y avait pas de magasin de BD. J’ai renoué avec la BD en VO chez ASTROCITY à Lille, à 18 ans, quand je suis arrivé à ecole d’architecture.

Mais comment avez-vous atterri si vite en Belgique, ici à Andenne ?

Andenne, c’était mon tout premier salon BD, grâce à Mauricet qui a vu un de mes dessins sur le net. C’est par lui que tout a commencé, il a parlé de moi à Tony d’Atomik Strip et boom, me voila en train de déguster une Caracole à Andenne! Mauricet m’a aussi fait l’honneur de faire la couverture d’une petite histoire que j’ai réalisé sur le Mister Miracle de Jack Kirby

Mais diable, quelle est votre technique ?

Tous mes dessins sont des dessins vectoriels (comme Arthur De Pins et Alexandre Clerisse), c’est à dire qu’ils sont 100% numériques. Le dessin vectoriel ne génère aucun pixel , on crée des courbes et on tire sur des poignées pour dessiner, c’est assez particulier, il n y a pas vraiment de technique comparable dans le dessin traditionnel. Cela dit, je fais toujours un crayonné avant. Le vectoriel est l’outil idéal pour obtenir des belles courbes, avoir des aplats parfaits.

J’ai toujours été tétanisés par les couleurs. Du coup, au moment de dessiner, je ne sais jamais ce que je vais mettre, pour quel rendu je vais opter. Les couleurs que j’utilise sont assez uniques, je les crée pour mon dessin. La couleur appartient au dessin.

Si vous avez commencé sur les réseaux sociaux, aujourd’hui on touche vos dessins. Il y a même une sérigraphie, ici, à Andenne.

Quand j’étais architecte, j’adorais aller chez l’imprimeur pour la sortie des plans et des images de synthèse, c’est la que le travail de toute une équipe apparaissait enfin. Ce passage, j’en ai gardé la magie.

Comment les choisissez-vous ces personnages que vous réinterprétez ?

Au coup de coeur ! On ne me paye pas, je n’ai pas de contrat, pas d’éditeur – je cherche du boulot d’ailleurs ! -, du coup, je m’amuse. Je prends ces dessins comme des cadeaux. Parfois, cela crée des rencontres. Comme celle avec Victor Santos à Andenne.

Il y avait aussi ma rencontre avec Antonio Lapone. Nous avons été manger un bout au restaurant de Serge Tholomé, Itinérance gourmande, on a discuté de notre travail et, tout d’un coup, Antonio m’a demandé: « T’as de quoi dessiner? » et il ma proposé de faire une séance de dédicace avec lui. C’était totalement improvisé et génial de me retrouvé la avec ce grand monsieur.

Ces personnages, comme ce Spirou et ce Fantasio, ils n’ont parfois pas de bouche, pas de nez ?

Ce n’est pas toujours utile. C’est une des leçons apprises de mon métier d’architecte. Avec l’outil numérique, je pouvais mettre une variété de détails qui, au final, sur un projet, n’allaient pas servir. On perd parfois du temps à des choses qui n’aident pas. Avec mes dessins, je cherche la simplification, je veux voir jusqu’où je peux aller dans la simplification tout en restant fidèle au personnage. Je suis très heureux de voir que, dans un style si éloigné des modèles, les enfants sont capables de reconnaître les personnages que j’ai redessiné. Ça veut dire que ça fonctionne !

Combien de temps vous faut-il ?

J’ai fait un Batman, dix minutes de crobards et, en une heure, j’avais fini. Quand je suis chaud, je fais six dessins par jour. Je fais mes croquis dans le métro, le train, au café, bref quand je peux.

Ça dépend aussi des effets, des ombres. J’ai mis sept minutes chrono en main pour une Power Girl, un Shadow a par contre été beaucoup plus long à assembler.

Vos maîtres ?

Celui qui m’a le plus étonné dans le domaine du dessin vectoriel, c’est Alexandre Clérisse, en plus il a une culture artistique indéniable qu il arrive a injecter das ses histoires. Après, inévitablement, Arthur de Pins. Lui, il a un truc. Je me demande toujours comment il fait !

Dans la Bd traditionnelle: le principal, c’est Darwyn Cooke. Puis, j’ai aussi des références artistiques surtout avec des artistes comme David Hockney , Hans Arp, le mouvement Cobra,

Parker de Darwyn Cooke ! Ça c’est ce que j’aurais aimé faire en traditionnel, franc du collier, direct, efficace.

Et la BD en tant que telle, c’est pour bientôt ?

Je suis en transition. La bande dessinée, c’est un autre délire. C’est spécial. En théorie, je pense comprendre. La BD m’attire de plus en plus, en tout cas mais la j ai tout a apprendre d’où ce court hommage à Mister Miracle. C’est un petit exercice. Ce n’est pas mon personnage mais lui dédier un petit scénario m’a beaucoup plu. C’est ce qui me plaisait, en fait, dans l’architecture : pas construire en tant que tel mais mettre en forme des idées !

Que pourraient-elles raconter vos histoires ?

Par exemple, après une soirée Comixology au Comic Con de Paris, je me suis perdu dans la ville, mon téléphone était en rade. Un vrai Very Bad Trip. J’ai marché durant quatre heures et je suis arrivé à Saint Ouen. Je me suis dit que je raconterais bien cette histoire, mon périple et ces rencontres improbables dans la nuit. En dix minutes, j’avais découpé dix planches. J’ ai la chance d’avoir des pros comme Alain (Mauricet), Karl T. (Tollet) et Elsa Charretier qui me donne des conseils .

J’ai envie d’apprendre, je vais voir des dessinateurs qui savent y faire, je me prends trois baffes et je m y remet.

La BD, ça a toujours été un fantasme.

J’essaie de comprendre le business de la BD, des éditeurs, de la monétisation du dessin,des délais et, finalement, c’est très semblable au monde de l’architecture qui demande qu’on bosse de plus en plus, qu’on soit polyvalent, sans pour autant être payés plus et c’est rare qu’on vienne vous chercher. J’ai failli travailler avec Brian Michael Bendis juste avant qu’il parte de Marvel. J’ai réussi à le rencontrer au Comic Con de paris et il m’a donné des contacts et des conseils avant de partir chez DC. Mais ça m’énerve de ne pas avoir pu collaborer avec lui comme il en était question mais patience, j’ai encore du boulot et pas mal de choses à apprendre.

Comme on dit souvent, « a suivre »

Et on y compte bien ! En attendant, on peut vous retrouver sur votre Tumblr.

Propos recueillis par Alexis Seny

Publié le 12/12/2017.

Source : Bd-best

Troukens et Bardet, forbans moderne de la BD : Â« La belle image du bandit dâ€™honneur, câ€™est de la thÃ©orie; quand vous glissez une balle dans un pistolet, il y a inÃ©vitablement lâ€™idÃ©e de tuer ! Â»

Saint Nicolas n’a peut-être plus de crosse (du moins en Belgique, selon un débat stérile) mais il a les armes pour se venger. Saint Nicolas, cette année, c’est un peu François Troukens, ancien gangster réconcilié en raconteur d’histoire ne manquant ni d’ampleur ni d’ambition. Ce 6 décembre, en Belgique, mais aussi en France, sort Tueurs, un film de braqueurs très contemporain et filant à toute allure sur le ring de Bruxelles mais aussi d’un cinéma franco-belge qui ne voit plus souvent ça. Avant de découvrir ce film, dans la même veine qui laisse gicler l’encre à profusion (plutôt que le sang, le moins possible en tout cas), François Troukens forme un tandem éblouissant de noirceur mais aussi de poésie avec Alain Bardet pour Truand, un roman graphique nerveux, avec un look de story-board (mais n’ayant rien à voir avec le film précité) et une efficacité redoutable. Nous avons rencontré ces deux nouveaux as du casse graphique !

(Photos de une signées Aline Fournier et Gaëtan Chekaiban)

Bonjour Alain, bonjour François. Après Caïds, avant Tueurs, vous signez Forbans. Les méthodes de tout ce petit monde sont parfois expéditives, comme vos titres !

François : C’est vrai que je ne m’en étais pas rendu compte mais un seul mot suffit. Cela dit, au départ, mon titre était plus long. Le mot Forban était déjà présent et il est resté, je suis un fan de Surcouf. Je trouve qu’un mot en plus, ça fragilise les choses.

Alain, vous êtes Suisse, François, vous êtes Belge, comment vous êtes-vous rencontré ?

François : Mon histoire avait d’abord été signée chez Dupuis. Alain était en attente d’un projet chez Le Lombard où il avait été repéré par un éditeur mais ses essais n’avaient pas convaincu Dupuis, sans doute plus commercial et pas forcément enclin à voir une histoire en noir et blanc, très artistique et tenant finalement plus du storyboard. C’était plus dans la démarche du Lombard qui a récupéré le projet, étant dans le même groupe que Dupuis. Il suffisait de monter un étage.

Alain : Je suis très versatile dans mes styles. Je fais de l’illustration, de la peinture, je ne me mets aucune barrière mais je ne veux pas gratter à toutes les portes pour trouver un projet.

Cela dit, ce projet-ci est plutôt bien tombé. Je suis un grand fan des univers de gangsters, c’était du pain béni renforcé par le côté poétique donné par François.

Alors, du coup, on ne s’étonnera pas de retrouver Lino Ventura dans les traits d’un de vos personnages !

Alain : Je ne peux pas le cacher, c’est une de mes inspirations.

Vous, François, on vous voit à l’école du crime, d’abord dans les lectures de certains gangsters qui vous ont précédé. Qui étaient-ils ?

François : François Besse qui a écrit « Je suis un bandit d’honneur ». J’étais fasciné par ce type de personnage, plus discret que Mesrine, qui dénonçait la violence. Je voyais en lui le côté « bandit social », d’extrême gauche. Puis, je lisais les romans de Borniche. Au cinéma, c’était Melville, Sautet. Les Simenon, aussi.

Vous écrivez mais vous dessinez aussi ! Vous avez pensé à faire vous-même la partie graphique de cet album ?

François : Je suis plus un homme de plume, porté par l’amour des mots, je n’ai pas le talent d’Alain. J’ai énormément lu. J’ai grandi dans une famille qui avait enlevé la télévision. Quand j’étais petit, je noircissais des carnets. J’avais 10-12 ans quand j’ai écrit mon premier roman. J’ai fait un écart, pour rentrer dans la peau du hors-la-loi. Ce monde me fascinait et je devais trouver une justification à faire ça. J’ai choisi l’exclusion volontaire, j’ai traversé le miroir pour toucher du doigt cette réalité qui faisait peur à d’autres.

Quelle était votre conception du hors-la-loi ?

François : Comme un corsaire, on y revient, qui peut attaquer qui il veut, ces salauds d’Anglais qui pillent sans vergogne. À la réflexion, je me suis rendu compte que j’étais dans le faux, je suis revenu à la vie. C’est très difficile de vivre et rattraper ses fantasmes. C’était l’aventure pour la liberté. Se faire tuer ou tuer. Mais moi, je ne voulais pas tuer, c’était la limite à ne pas franchir.

Pourtant, il est bien dur de ne pas la franchir !

François : C’est une utopie. À partir du moment où on glisse une balle dans un pistolet, c’est pour tuer ! Quand on met un couteau en poche. Ne dit-on prendre les armes ? Inconsciemment, je devais avoir accepté ça même si je m’y refusais. Oui, il y avait ce risque de tuer un innocent. La belle image du bandit d’honneur, ce n’était que de la théorie. Et quand bien même, les gens qui se font braquer n’ont pas conscience que vous ne voulez pas les tuer. Mais la violence extrême a une force de fascination. Le panache de Lino Ventura, De Niro dans Heat qui est limite plus droit que le policier campé par Al Pacino. Il ne boit pas, il est dans la gestion, a des règles morales. C’est ça aussi être un voyou. Ce sont des gens qui s’octroient des droits et beaucoup n’aiment pas ça.

Alain : Le code d’honneur qu’on prête à Franck dans l’album, il était primordial de le respecter. Il y a un travail instinctif en amont. Des discussions se sont mises en place. Mais la liberté était importante. Je pouvais créer ce que je voulais.

François : En fait, les gens transgressent la loi depuis la nuit des temps. Lisez Homère. Forban, c’est une tranche de vie, un reflet dans la glace, un échantillon pour analyser la vie à un moment bien précis. Le polar, c’est ça, un moyen de raconter de l’intérieur une vie qui va changer, des gens transpercés par ce qu’il va se passer.

Cette BD, elle est très cinématographique d’ailleurs, non ?

François : Alain joue et rend tout ça très vivant.

Avec une voix off omniprésente.

François : Elle était importante, et Alain a bien joué le coup pour que cette voix ne raconte pas l’image, que l’image raconte autre chose. Ce qu’on voit n’est pas ce qu’on lit. Alain a aussi transmis un côté nerveux, il casse le code mais use d’une perspective parfaite, il brise les angles mais rend tout ça rond. Cette voix off, elle était nécessaire pour comprendre le personnage qui a tout pour réussir mais décide de s’exclure de manière volontaire. La voix off, c’est un processus très littéraire, chez Hugo, Céline, Eden ou Gray. Mais elle est aussi très utile au polar qui est très silencieux, elle permet de raconter une poésie hors du dessin.

Finalement, Forban n’est pas une autobiographie mais il y a pas mal de vous quand même. Et si on jouait aux jeux des différences.

François : Si j’ai des capacités artistiques, je ne suis pas musicien, la trompette (ndlr. qui donne l’une des plus belles séquences de cet album, soit dit en passant). Mais j’ai failli faire le conservatoire ! Mais j’ai voulu me distancier, Franck ne me ressemble absolument pas, il véhicule une certaine tristesse Et Alain a bien réussi à alterner des planches plus tristes et d’autres plus joyeuses. Après, la fiction est plus intéressante pour raconter le grand banditisme.

Qui est ?

François : Ce n’est pas la banlieue, ça n’a rien à voir avec les Kaïra. C’est un panache qui alterne les personnages, qu’ils soient Delon ou Ventura. C’est aussi un carnet d’adresses, comme ceux de Francis le Belge ou Marcel Habran qui était coutumier de rencontres avec des grands de ce monde.

Avec ce paradoxe qui embarque l’album dans une autre dimension : et si on nous avait laissés commettre nos braquages ? Notamment pour abolir le cash et amener tout le monde à utiliser sa carte de crédit. Et c’est, plus loin, l’obsession de votre film aussi !

François : À l’époque, il devait y avoir une attaque par semaine. Et oui forcément, on se dit quand les coups sont trop faciles, que la police n’a peut-être pas tout tenté pour nous arrêter, que cela arrangeait bien certain. Et si on nous avait laissé quelques libertés pour créer un climat anxiogène et détourné les gens du cash pour privilégier le cash. Cela ne pouvait-il pas être du racket organisé par les cartels ?

Après, encore aujourd’hui, la camaraderie et l’injustice sont potes. Regardez Nethys, ceux qui ont accepté de se taire en touchant du fric au conseil d’administration ou ailleurs.

Venons-en à Franck, alors, s’il n’est pas exactement comme vous ?

François : C’est un peu un fantasme imaginaire, un Robin des bois. Il a envie d’une répartition plus juste, de dénoncer certaines pratiques. Il rêve de transparence.

Et finalement, après sa vie de bandit, il va à nouveau passer de l’autre côté du miroir.

François : Je déteste le mot « repenti », la « réinsertion ». À cela, je préfère la réconciliation. Aujourd’hui, je veux devenir acteur, par ma plume, poser des actes, amener le débat par mon expérience et éveiller les consciences.

Avec Tueurs, je montre le processus qui mène à la création d’un ennemi public. Et les journalistes n’y sont pas étrangers. C’est une réflexion sur l’instrumentalisation.

Alain, vous avez réagi comment quand vous vous êtes dit que vous alliez rencontrer un bandit et peut-être même collaborer avec lui ?

Alain : François m’a tout de suite mis à l’aise. Pourquoi le passif poserait-il problème. Ce n’était pas un gangster que je rencontrais mais un homme de valeurs, de beaucoup de valeurs.

Quelles sont vos influences, finalement ?

Alain : La BD franco-belge mais surtout la BD en anglais, les comics de Sienkiewicz, McKean, Kent Williams. J’aime avoir une grande liberté de mouvement, passer de la planche à la peinture.

François : Alain s’est élevé à briser son style. Forban, c’était une carte blanche. J’ai évolué après l’avoir rencontré, j’ai scénarisé en fonction de son dessin, avec un découpage plus à l’aise : j’avais trouvé un super-chef op’ ! Ça a pris du temps, le dessinateur était suisse (ils rient) mais on a fait ce qu’on voulait. Pas pour être médiatique, ce n’est d’ailleurs pas le genre de format qui marche le mieux, mais pour porter au mieux l’histoire, avec des traits poétiques.

En 2013 et 2014, j’ai dû retourner en prison, (ndlr. en vue de ses projets, il avait côtoyé d’anciens détenus, comme Joey Starr, ce qui était interdit parmi les conditions de sa libération). L’éditeur venait me voir, je lui passais mon scénario pour Alain. J’ai retravaillé la scène de prison depuis ma cellule, d’ailleurs. Alain, il joue le personnage, il lui rend la vie et crée son univers tout en l’harmonisant avec le texte.

Alain : Entre 2012 et 2017, j’ai trouvé mon style, j’ai fini par le prendre comme il était. Les dernières planches sont plus vives.

Et la suite ?

François : On a envie d’y retourner ! Peut-être avec des couleurs. Mais aucune envie d’être élitiste. J’écris beaucoup plus naturellement. Un mot ou rien peuvent suffire. Il ne faut pas écrire pour dire : « hey, regardez, j’existe ». Non, il faut servir l’oeuvre.

Travailler avec Olivier Gourmet sur Tueurs a également été une expérience très riche. Face aux pages de dialogues prévues, il a pris son stylo et a commencé à élaguer. « Ça, je ne dis pas ». J’étais en stress, je le voyais réduire son texte à peau de chagrin. Je me disais : « Ah merde, il enlève tout ça! » Mais il faut arriver à s’effacer. D’autant plus qu’au final, il avait raison ! Au montage, je suis même permis de couper certains passages pour ne garder parfois qu’un regard, raconter le dialogue dans l’oeil ou la gestuelle. C’est génial si un dialogue peut exister dans le silence. On se raconte plein de choses, on s’invente sans besoin de 10 lignes chiantes et non-nécessaire.
L’affiche du film de François Troukens et Jean-François Hensgens dessinée par Alain Bardet

Et vous Alain, vous faites l’acteur ?

Alain : En tout as, je me joue les scènes afin de choisir les angles les plus judicieux, j’utilise des références, des photos.

François : Il n’est venu qu’une fois à Bruxelles et ça ne se voit pas. Comme pour dessiner le trompettiste, l’embouchure. Alain, il est chef-op et comédien à la fois, ce qu’il fait c’est du spectacle vivant.

Le spectacle, il a été plus fort que le braquage ?

François : Je suis fasciné par le spectacle. J’ai trempé dans un univers tellement noir : l’artistique, c’est magique. Je n’ai pas eu une expérience de vie qui le favorise. Le monde des arts, pour moi, c’est le haut de la pyramide. Et ce n’est pas évident d’y trouver sa place, il n’y a qu’un seul Hugo, qu’un seul Mozart. Finalement, comme la famille, l’art a été le plus fort pour matérialiser ce que j’avais volé.

Au fond, je rêve d’avoir une petite ferme, deux-trois vignes, un cerisier… une chambre de bonne à Paris pour profiter des spectacles. Une vie simple. En fait, l’argent ne rend jamais heureux. Je préfère l’associatif qui est concret et nourrit la vie. Après, je n’ai pas envie d’utiliser le grand banditisme pour faire de l’argent médiatique.

Toujours ce goût pour la provoc et dénoncer ce qui ne va pas, donc ?

François : Quand on a eu le premier financement pour le film, avec une pointe d’humour cynique, j’avais cliqué qu’on avait réussi le casse du siècle. Bon, certains ont dit que j’aurais dû m’abstenir. Mais la vérité était là : c’était mon plus beau butin.

Et on vous en souhaite beaucoup des butins comme celui-là ! Merci à tous les deux et bonne continuation.

Propos recueillis par Alexis Seny

Titre : Forban

Récit complet

Scénario : François Troukens

Dessin : Alain Bardet

Noir et blanc

Genre : Polar, Thriller

Éditeur : Le Lombard

Nbre de pages : 112

Prix : 17,95€

Publié le 05/12/2017.

Source : Bd-best

Jean Bastide et Christophe Cazenove mettent Boule et Bill en musique : Â« Chez Roba, chaque Ã©lÃ©ment est Ã sa place, tout est codÃ© jusquâ€™aux brins dâ€™herbe Â»

Il y a des heureuses coïncidences. Ce jour-là en amenait une sacrée et plaisante. Alors que je devais les rencontrer quatre heures plus tard à Bruxelles, c’est sur le quai de la gare de Gembloux que j’ai rencontré Christophe Cazenove et Jean Bastide. Leur accent du sud réchauffait l’atmosphère d’un hiver en avance et les deux comparses venaient de mettre plein d’étoiles dans les yeux d’élèves d’une classe de primaire. Des étoiles comme sans doute ils en ont eux quand on leur a proposé de présider au destin de deux fameux héros bientôt sexagénaires. Pourtant le temps n’a filé aucune ride à Boule et Bill. Ils sont intemporels et, prenant le temps d’un voyage en train, nous en avons longuement discuté.

Bonjour à tous les deux. Si je comprends bien, vous sortez tout juste d’une classe primaire de Gembloux.

Christophe : C’était bien et sympa, les enfants étaient vraiment mignons.

Jean : Un super esprit.

Christophe : On a expliqué comment on travaillait, ils ont pu poser leurs questions. Des questions mignonnes d’enfants, d’autres plus axées sur le travail des auteurs en lui-même. Sur le dessin. Des questions assez pertinentes sur comment Jean fait, comment on apprend à dessiner.

Tous connaissaient Boule et Bill ?

Jean : Oui, ils étaient assez concernés et impliqués.

Christophe : Sous la menace, ils ont du s’y mettre (il rit). On est rentré dans la classe, tous les albums étaient mis sur le pupitre, c’était très touchant.

Jean : C’est marrant de voir une série comme Boule et Bill transcender les générations. Ça fait des années, des décennies que ça dure et ce n’est pas près de s’arrêter. Tant mieux. Il y en a un qui nous a demandé si on nous reconnaissait dans la rue. C’était mignon mais… comment dire… non !

Christophe : Je devrais peut-être m’habiller avec une salopette bleue, remarque !

Justement, c’est votre deuxième album en compagnie de ces deux héros mythiques. Mais comment vous sont-ils arrivés dans les mains ?

Jean : Grâce à Pauline Mermet, directrice de collection chez Dargaud et notamment de la série Boule et Bill. Elle a contacté Christophe, d’abord.

Christophe : Elle avait apprécié une autre de mes séries et avait un univers à me proposer. On s’est donné rendez-vous à Angoulême en 2015. J’ai été la voir en sachant pertinemment que je refuserais ce qu’elle me proposerait. Je me sentais bien chez mon éditeur et n’étais pas tenté d’aller faire une création ailleurs. Mais je ne m’attendais pas du tout à cette proposition. J’ai dit oui tout de suite. Une semaine après, j’envoyais dix découpages pour voir si ce que je proposais pouvait convenir. Et on a ensuite cherché un dessinateur.

Après quelques essais avec des dessinateurs humour que je connaissais, Pauline a eu le flair de se tourner vers Jean qui n’était pas du tout dans cet univers.

Jean : Apparemment, Philippe Ostermann avait également pensé à moi. Encore aujourd’hui, vu tout ce que j’avais fait auparavant, je me demande comment ça a bien pu leur venir à l’esprit.

Christophe : Je lui avais demandé et elle m’avait répondu que par rapport à tes précédents albums, tu avais la capacité à changer de style. De mon côté, ce que j’ai pu remarquer avec les dessinateurs humoristiques que je connais, c’est qu’ils ont un dessin très propre. Philippe Larbier, s’il fait Boule et Bill, ils auront l’air crétin; avec William, des Sisters, Bill aurait l’air trop sérieux. Un dessinateur humoristique a toujours un style très personnel. Le dessin humour oblige à caractériser très fort.

Jean : J’ai du reprendre d’une page blanche, j’ai du réapprendre. C’est plus facile, je pense, qu’un dessinateur humoristique qui a déjà ses propres codes. Ainsi, j’ai pu m’approcher du trait de Roba, ce qui était la volonté de Madame Roba, assez vindicative à ce propos. Comme l’a fait Laurent Verron qui était très proche au début avant de se distancier un peu. C’est le cahier des charges.

Mais n’est-ce pas un peu frustrant ?

Jean : En fait, non. Je le prends comme un exercice. C’est formidable d’avoir un tel maître pour t’apprendre à dessiner. Il est décédé, malheureusement, mais j’ai eu la chance d’avoir accès à toute sa production, avec des scans d’excellente définition. J’arrive ainsi à comprendre comment il s’y prenait, comment il tenait sa plume, son attaque. Ça me fait énormément progresser. C’est une opportunité, en plus je suis payé pour progresser. (rire)

C’est ce qu’on voit avec Astérix repris par Conrad, on sent avec son troisième album qu’il se dégage de l' »emprise graphique » d’Uderzo. Ça pourrait vous arriver ?

Jean : C’est particulier, Uderzo est encore vivant et ça doit être très compliqué de reprendre un monument sous l’oeil de son auteur.

Christophe : Et le naturel peut revenir au galop. On peut se forcer à le chasser sur un album puis…

Jean : Chaque fois que je fais une page, j’ai toujours quelques planches de Roba à côté pour éduquer mon oeil. Pour être sur une espèce de rail. Parce qu’on peut très vite dévier. On a tous des tics graphiques. Il faut s’obliger à rester dans la ligne, c’est le jeu, ça fait partie des efforts à fournir. Après, si j’ai la chance d’en faire dix, ça évoluera peut-être.

Mais j’y trouve mon compte dans cet exercice. L’analyse scrupuleuse du trait, c’est intéressant. Je n’ai aucun problème.

En disant oui tout de suite ?

Jean : Ah, oui… enfin pour l’essai. Rien ne disait que j’allais le réussir. Christophe, toi, tu as été engagé direct ?

Christophe : Quand j’ai dit oui à Angoulême, je voulais très vite envoyé mes découpages, ne pas leur faire perdre de temps. Après, Pauline m’a dit oui assez rapidement. Mais, on n’a pas le même rapport avec cette série. Moi, je la lis depuis que je suis gamin. C’est un rêve, c’est spéc’ et curieux de se retrouver derrière les personnages avec lesquels j’ai grandi.

Jean : Tandis que moi, ce n’est pas ma culture. Je ne suis pas issu de cette BD-là. Si je connaissais Boule et Bill, je ne suis pas sûr d’en avoir lu quand j’étais gamin. Ou très peu. Moi, j’étais plutôt dans le manga, rien à voir. Et ce que j’ai fait après, ça n’avait rien à voir non plus avec Dragon Ball.

Après, je fais partie d’une génération de dessinateurs qui a tout de suite dû être performante. On ne peut pas tout apprendre en un coup. Nous devions être d’abord des techniciens avant d’être des créateurs d’univers, d’histoires. Du coup, sur le tard, on développe sa propre patte. Alors que les Franquin et les autres avaient des magazines sur lesquels compter et des dizaines d’années pour façonner leur style, sans l’obligation d’arriver à faire un truc qui tuait tout de suite. Étant donné le nombre que nous sommes aujourd’hui, ça égraine, il n’y a que les meilleurs qui sont pris. Tout est trop axé sur l’aspect technique et ça a tendance à asservir le contenu. Des albums sont souvent bien dessinés sans pour autant incarner et raconter quelque chose. Nous sommes des dessinateurs-caméléon.

Christophe : Pour moi, il y a eu deux bonnes surprises. Boule et Bill, d’abord. Puis le suivi de l’éditeur. Comme je changeais d’éditeur pour cette série, je ne savais pas comment ça allait se passer. Je pensais que comme nous étions dans le domaine du patrimoine, tout serait très directif. J’ai eu mon petit cahier des charges, Pauline m’a demandé d’axer les gags sur les parents-Bill-Boule-Pouf-Noisette-Caroline… et c’est exactement ce qui me plaisait. À part ça, on montre les pages, on a des retours, tout se passe agréablement bien.

Paul : C’est un métier dans lequel le facteur humain importe beaucoup. On serait tombé sur une autre personne, ça ne se serait peut-être pas passé ainsi.

Christophe : Je connais des personnes qui ont fait des reprises, qui sont partis dans une belle aventure pour qu’au final, ça se passe mal. À tel point que ça devient difficile pour l’auteur de travailler sur quelque chose que… pourtant il aime.

Justement, par rapport au cahier des charges, pas envie d’ajouter des portraits à la galerie ?

Christophe : Non, juste une jeune fille. J’essaie vraiment de rester sur le noyau dur tant que nous n’avons pas besoin de faire venir de nouveaux personnages. Le prochain album sera plus axé sur les chiens. Il y en a beaucoup dans les albums de Roba. Ce sera le thème, amener pas mal de copains chiens. J’adorais ça quand j’étais gamin, ces planches où Bill magouille pour filer des os ou des morceaux de jambons à ses amis. On va essayer de retrouver cet esprit. Il y a pire quand même comme travail que de chercher des gags dans lesquels des animaux font des bêtises.

Et comme Bill réfléchit, comment se met-on dans la tête d’un chien ?

Christophe : Je me sers beaucoup de mon chien, un corniaud qui a du caractère mais pas de race. Comme la première planche de ce tome 37, elle est à l’image de ce que la plupart des chiens font. Je m’allonge sur le canapé, il se met sur moi. Comme je n’arrive pas à lire, je le chasse. Du coup, il se met sur mes pieds, il est collant. Dans mes deux tomes de Boule et Bill, pas mal de choses sont des choses vécues avec mon chien. Toujours dans le tome 37, lors d’une promenade, Bill s’arrête. Impossible de le faire avancer. En fait, il a une petite épine dans la patte. Et c’est quelque chose que mon chien fait souvent. Je dois m’arrêter et soulever ses pattes l’une après l’autre. Souvent, ce n’est rien, ce n’est même pas douloureux mais ça le gêne.

Et vous, Jean, vous avez un chien ?

Jean : Non… et je pense que je n’en aurai pas car j’ai déjà deux enfants, c’est du taf (il rit). Je n’ai jamais eu beaucoup d’animaux à la maison. Je n’ai pas la fibre comme Christophe. C’est vrai que ça aurait pu m’aider pour dessiner, pour les postures.

Christophe : Mais tu as tes enfants pour dessiner Boule !

Est-ce plus facile d’animer les humains ou les chiens ?

Jean : Au fil des mes albums, j’ai eu la possibilité de dessiner beaucoup d’humains. Les animaux, je les découvre, c’est un dessin très humoristique, hyper-agréable à faire. Il n’y a pas d’obligation de respecter les proportions. Dans le cadre de l’humour, c’est différent, on peut délirer mais pour dessiner des humains, on doit toujours faire par rapport à ce qu’on connait.

Christophe : Et ils sont super-marrants, ses chiens, il les tient bien !

Puis, il y a les oiseaux bleus, Caporal le chat de la voisine…

Christophe : Lui, j’avais presque fini mon tome 1 quand la directrice de collection m’a dit que ce serait bien de faire intervenir Mme Stick et son chat Caporal. Je les avais zappé. Elle m’énervait quand je lisais Boule et Bill, elle était sévère, antipathique, militaire. Et quand j’ai écrit ce premier gag avec elle, je suis reparti dans le passé, je me suis revu petit lecteur de Boule et Bill en train de détester Mme Stick. Pauline m’a aussi demandé de faire un gag juste d’amitié, sans besoin de suite drôle, juste de l’affection. Luce Roba m’a aussi demandé de me rapprocher du parler de Boule et Bill, période Roba. Je me suis demandé comme j’allais faire, j’ai feuilleté les anciens tomes. Je suis à l’écoute des demandes et des conseils de Jean pour orienter mes gags et que ça nous plaise à tous les deux.

Jean : Au fur et à mesure, je relis les albums. Et cette mécanique du gag, Christophe l’a bien comprise. C’est naturel. C’est fluide, sans différence dans la façon de raconter.

Christophe : Après, je ne fais que du jeunesse, ça aide…

Jean : À tel point que ses scénarios, je les reprends tel quels, j’ai besoin de ne rien changer. Ça facilite la vie.

Christophe : Et s’il y a des trucs à changer, ce n’est pas grave, c’est le principe d’une collaboration. Avant Boule et Bill, on ne se connaissait pas, on s’entend bien. Je n’arrive pas à travailler avec quelqu’un avec qui il n’y a pas de contact. Se faire des retours mutuels, c’est la meilleure façon d’avancer. Puis, je demande toujours à Jean les thèmes qui pourraient lui plaire. Comme la pétanque dans notre premier tome, la musique dans le tome 38. Il y avait tellement peu de chance que le boudègue, ce drôle d’instrument qui ressemble à une cornemuse se retrouve sur une couverture de Boule et Bill.

Jean : C’est insensé.

Christophe : Il m’a présenté un de ses amis à Angoulême. Pour une raison qui m’échappe aujourd’hui, il nous a parlé du boudègue, avec sa consonance provençale, et ça a fini en couverture.

Jean : Un concours de circonstance.

Christophe : Il doit exister plus de mille gags de Boule et Bill et, malgré tout, il faut trouver des histoires inexploitées. Le meilleur moyen d’y arriver, c’est de se servir de nos expériences, de regarder autour de nous. Le pire serait de faire un gag déjà fait par Roba. Je les connais tous mais je n’ai pas des pare-feux pour chaque page. Il faut mettre à notre sauce sans que le but soit que ça nous ressemble à nous mais à du Boule et Bill. Mais si on peut renouveler les gags avec des choses qui nous sont personnelles, tant mieux, on le fait.

Et pas de barrière entre les personnages, pas de gsm, pas de console…

Christophe : On en avait parlé avec Pauline et on était d’accord. La maman de Boule a une tablette mais pour le reste je ne trouve pas qu’il serait opportun de montrer Boule sur sa console. Ce qui est important dans cette série, c’est la relation entre Boule et Bill, celle qui donne son titre à la série. Et quand on a une relation avec son chien, pas besoin de tablette mais d’une balle. Un principe très simple.

Jean : On évite les marqueurs temporels très forts. Il y a très peu d’intervention avec la technologie, le téléphone, c’est pas plus mal et ça rejoint le fait qu’il y a plein de choses qui ne sont pas dites dans Boule et Bill. On ne sait rien d’eux, pas même leurs prénoms. Ce n’est pas le propos, le propos, c’est cette relation enfant-chien et les personnes qui gravitent.

Christophe : Ce ne serai pas intéressant de dire qu’ils sont dans telle ville. Le papa de Boule, je crois me souvenir qu’il est dans la publicité. La maman, on ne sait pas. Mais c’est vrai qu’elle, j’essaie de ne pas en faire une maman au foyer. Ce qui n’a rien de péjoratif mais j’essaie d’être plus dans l’air du temps.

Jean : Moderniser l’image de la femme. Parce que c’est vrai que dans les années 50, c’était très différent, la ménagère et tout cet imaginaire.

Christophe : Dans le nouveau tome, on voit la maman sur sa tablette et le papa qui fait la vaisselle. Ce n’est qu’un détail mais c’est par des détails qu’on y arrive.

Jean : Les habits aussi, on a un peu renouvelé sa garde-robe.

Christophe : Il ne faut pas qu’elle n’ait qu’un rôle décoratif, mais qu’elle ait sa personnalité et que le couple soit moderne. Qu’il y ait des impulsions.

Puis, pas besoin de Wikipédia, il y a des encyclopédies puis le savoir Do-it-yourself (pas forcément concluant) du papa.

Christophe : Le plus important, c’est Boule et son cocker mais il y a de la place pour les autres, pour des interactions. J’aime bien montrer le côté gaffeur du papa mais aussi sa volonté d’apprendre des choses à son fils. Je l’ai toujours vu moins comme un gaffeur que comme un papa très gentil. Avec un gag que j’avais beaucoup aimé, notamment : le jour de son anniversaire, Boule va au grenier et en ramène une antique tenue de son grand-père. Entre-temps, la maman dit au papa : « quoi que ce soit, tu acceptes. » Et avec ce vieux costumes, il part au travail. C’est formidable, c’est un papa en or et généreux.

Jean : Aimant.

Christophe : … et qui subit les facéties de Bill.

Jean, si je comprends bien, vous vous étiez tenu éloigné de Boule et Bill. Par quoi avez-vous commencé ?

Jean : La première page d’essai, je l’ai faite avec mes vagues souvenirs. Je n’avais pas d’album sous la main. Ma première page n’était pas folichonne. Mais j’avais le mérite, comme Christophe, d’avoir été assez réactif, dans les quelques jours qui ont suivi. Du coup, Pauline a du se dire que j’étais motivé.

L’important dans ce genre de trait, ce sont tous les petits détails, la façon de faire. Ce que je n’avais pas. J’ai du potasser, apprendre la mécanique. En fait, chez Roba, chaque élément est à sa place, a une forme particulière, tout est codé, même les brins d’herbe, il y a une façon de les faire. C’est dingue. Du coup, j’ai commencé avec les scans qu’on m’a envoyé. J’ai voulu faire en traditionnel sur papier comme lui mais je n’en ai jamais été capable. Il me fallait une vivacité de trait, une technicité au niveau de la plume dont j’étais incapable. Ça m’aurait pris des années. Je suis revenu à l’ordi, j’ai pris les scans de Roba en très haute définition et je me suis fabriqué une palette s’approchant le plus de la plume et ses effets. Ça s’appelle Plume Roba, d’ailleurs.

Je me suis aussi acheté un stylet spécial qui reproduit la rotation là où les stylets Wacom ne réagissent qu’à l’inclinaison et à la pression. Avec ce stylet, je pouvais reproduire exactement la même gestuelle. Du coup, avec ces outils, je pouvais me rapprocher de Roba. J’avais le matériel, si je n’y arrivais pas, c’est que j’étais mauvais. Je me suis donc entraîné. Sur le tome 37, j’ai du batailler, il y a des planches foireuses que j’ai du redessiner.

Christophe : C’est bien aussi, un dessinateur qui n’a pas peur de revenir sur son dessin.

Jean : Il faut être humble, aussi.

Christophe : Mais ce n’est pas le cas de tous.

Jean : Quand ça ne le fait pas, il faut. Je ne permets pas de servir quelque chose qui serait à moitié bien. Et encore, il y a certaines planches du 37 que je suis incapable de regarder. Le 38, ça me convient déjà mieux. Il est plus homogène, plus maîtrisé. Petit à petit. Mais on sent que je suis assez jeune dans ce style de graphisme. C’est une attention de tous les instants à avoir. J’ai toujours deux-trois planches de Roba à côté. La façon de faire des hachures, les grilles optique, c’est bête mais si tu tiens ton stylet d’une certaine façon, tu ne feras pas la même hachure que Roba. Ce ne sera pas assez fin, trop espacé. C’est bête mais c’est toute une série de détails qui participent à un vocabulaire, une écriture. Ça participe à la ressemblance. Sinon autant prendre un bête stylo. C’est pour ça que j’adore faire ça.

Christophe : C’est vachement pointu l’analyse que tu fais là ! Moi, j’en suis incapable, je suis plus dans le ressenti.

Jean : Moi, si j’avais du faire ça au feeling, ça aurait été pourri. Puis, le dessin et le scénario, c’est différent. Avec le dessin, on ne peut pas tricher.

Christophe qui avale de travers : Ah bon…

Jean (cherchant à se tirer du mauvais pas) : Je ne dis pas que tu triches, hein (rires). Mais tu ne peux pas aller au bluff. C’est exigent, il faut être scrupuleux encore plus sur ce genre de licence. On ne peut pas tenter le diable, se dire qu’ils n’y verront que du feu. Il y a cette impression de facilité avec des scènes courantes… mais c’est bien plus dur que les BD’s réalistes que j’ai pu faire. On pourrait croire, pourtant. Mais non, je n’ai jamais galéré autant que sur ces deux bons vieux Boule et Bill. Tout le monde sait jouer de la flûte à bec mais qui sait bien en jouer ? Pas beaucoup.

La musique, justement, c’est votre apport. Mais comment représente-t-on la musique en BD, sans le son ?

Jean : C’est très compliqué, il y a les onomatopées, des petites notes de musique. J’ai regardé comment Roba faisait mais il y a très peu d’éléments musicaux dans sa série. C’est assez peu représenté. En général, ce sont des petites portées. Mais, là encore, je n’ai pas pris de liberté, j’ai calqué sa façon de faire sur à peu près tout. Ça me va très bien, il avait tout élaboré, tout est bien tenu, et je ne vois pas spécialement l’utilité de développer des choses. Peut-être que ça viendra mais le style de Roba est parfait. Les années 80-90, il était au sommet de son art, un virtuose. On parle énormément de Franquin et Morris, bizarrement assez peu d’Uderzo et de Roba, mais ils étaient des maîtres, géniaux.

En relisant les albums, vous êtes-vous aperçu que vous aviez manqué quelque chose ?

Jean : Ce n’est pas spécialement le type de lecture que j’adore mais il faut reconnaître que c’est ultra-plaisant à lire. C’est haut en couleur, léger. La Guerre des Sambre, pour le coup, c’était ultra-dépressif. On faisait ça dans une cave avec mon collègue, durant nos études en Belgique. Sans fenêtre, ni rien, vraiment dans l’atmosphère. Maintenant, j’ai de grandes fenêtres là où je travaille, c’est différent.

Finalement, comment expliquez-vous, tant au niveau du dessin que du scénario, que Roba et ses deux héros aient traversé les âges et qu’en 2017, ils soient toujours aussi présents ?

Christophe : C’est une famille : le papa, la maman, le chien, le gamin… euh pardon, le gamin et le chien. (il rit) Ça parle à tout le monde, c’est intemporel, sans date. Tout le monde est concerné et peut se repérer même si on n’est pas rouquin et qu’on n’a pas de chien. Au-delà du fait que le dessin de Roba est génial, très attractif. Là où j’ai des difficultés pour imaginer des gags, parce que c’est très quotidien, c’est cet aspect fantastique : tout ce que Bill est capable de faire avec ses oreilles. Quand Bill volait comme un avion grâce à ses oreilles. Ainsi, je lui fais faire le ventilateur.

Jean : Qu’est-ce qu’elles sont dures à animer les oreilles de Bill. Christophe me fait un crobard, tiens débrouille-toi. Je fais des croquis, c’était pourri, j’ai refait. Roba a tellement fait de Bill qu’il y a un moment donné où je me suis dit : « Ah je pourrais reprendre tel truc ». En fait, Roba avait déjà tout fait !

Christophe : Au rayon « compliments », je ne me pose pas de question quand j’écris le scénario, je ne me demande pas si Jean ou un autre va y arriver ou pas. Je pars du principe que oui ! C’est un bon dessinateur. On connait les difficultés de ses dessinateurs, j’y fais attention.
Le découpage d’une planche de Christophe Cazenove

Qui dit Boule et Bill dit forcément dédicaces, quel est votre rapport à elles ?

Christophe : Moi, ça m’a changé mon public. Depuis que je travaille sur Boule et Bill, je n’ai plus seulement que des enfants mais aussi des gens plus âgés qui ont grandi avec ces deux héros, des mamies avec des cockers. Pas mal de personnes ont adopté un cocker grâce à Boule et Bill.

Beaucoup d’auteurs se plaignent aussi qu’une dédicace, aussitôt réalisée, se retrouve vendue avec intérêt sur Ebay et consorts. Et j’imagine qu’avec des héros pareils, on n’est pas à l’abri !

Jean : Intrinsèquement, avec des collectionneurs, ça peut valoir des sous. Le rapport à l’argent confère toujours un côté malsain. Et dès qu’une série devient populaire, il y aura toujours des gens pour tenter de s’en mettre plein les poches sur le dos des gens.

Christophe : Après, c’est quand même une série jeunesse, on a beaucoup d’enfants en festival et pas énormément de chasseurs. Moi, je fais des petits dessins mais ça ne s’est jamais vendu sur Ebay… je ne sais pas pourquoi !

Un découpage de Christophe Cazenove

Jean : Après, avant Boule et Bill, j’avais fait un tirage de luxe de Notre-Dame, mon adaptation de Notre-Dame de Paris, en grand format et couleurs. Ça coûtait assez cher. Un gars, super-sympa, était venu à BDFugue à Lyon, je m’en souviens très bien. On avait parlé, je m’étais appliqué avec mes aquarelles. Le lendemain, je vois l’album sur Ebay, deux fois plus cher que le prix vente. Et il est parti ! Quel salopard ! En soi, c’est pas illégal mais moralement, c’est pas top ni cool.

Christophe : Je comprends que le problème se pose, c’est dommage.

Jean : Une dédicace, c’est une discussion, un partage. Une signature. Ça n’a pas de valeur en soi, c’est le plaisir de rencontrer la personne. Il m’est déjà arrivé d’avoir en face de mon stand des gens avec quatre ou cinq bouquins sous le bras. « Je vous le laisse, je vais voir untel ». Et il s’étonnait de voir que je n’avais pas dédicacé son bouquin en revenant. Je ne le faisais pas. « Vous ne l’avez pas fait? » « Ben non, vous n’étiez pas là! » Le mec s’excitait presque sur moi. C’est fou. Et ce n’est pas arrivé qu’une fois.

Puis, il y a ceux qui prennent femme et enfant et dispatchent !

Jean : Ohlala, pitié… Ça m’est arrivé aussi.

Christophe : Il ne faut pas que ça fasse oublier tous les gens sincères et heureux qu’on croise. Parfois, j’ai l’impression que sur Facebook, on peut se laisser aller à beaucoup de véhémence. Quand je vais en festival, je me dis qu’on touche pas mal d’enfants et je ne voudrais pas laisser un mauvais souvenir à un gamin qui va être content de la rencontre. En plus, en BD jeunesse, on n’a pas de gens qui nous demandent des trucs tarabiscotés, pas de collectionneurs.

Jean : Eux, c’est différent. Faut dire qu’ils ne sont pas nombreux les collectionneurs. Ils sont peut-être une vingtaine qui ont des milliers de BD chez eux et passent leur vie à ça. Ce sont des fadas mais ils ne sont pas méchants. Par conte, ceux qui m’embêtent plus, c’est ceux qui y voient l’opportunité de faire du fric, qui vont acheter dix tirages de tête pour les faire dédicacer et se faire 500€ sur ton dos sans rien en avoir à cirer de la BD. Là, c’est un autre domaine, de l’ordre du placement financier. Ils sont très peux mais ceux-là obscurcissent un milieu qui est fait d’une majorité de gens qui aiment la BD et la rencontre qui en naît.

Un crayonné de Jean

Christophe : Pour les auteurs agacés par ces comportements, rien ne les oblige non plus à faire des dédicaces. On n’est pas tenu d’y aller. J’y vais par plaisir, pour les rencontres avec les lecteurs mais aussi avec d’autres auteurs avec qui je pourrais collaborer. J’aime beaucoup cet exercice.

Quels sont vos projets ?

Jean : Christophe en a plein, il fait quinze albums par an. L’avantage d’être scénariste.

Christophe : Sur quoi, suis-je ? Je termine TiZombi avec William après quoi on attaquera le tome 13 des Sisters, puis j’ai quelques séries chez Bamboo. J’ai toujours des nouveaux projets mais des projets en l’air, tout le monde en a mais je préfère en parler quand ils intéressent au moins quelqu’un, un éditeur. Si c’est pas pris, c’est pas la peine. Je n’en ai pas eu l’année passée, avec Boule et Bill qui prenaient du temps. Mais maintenant, j’ai deux-trois séries qui se sont arrêtées, ça laisse de la place.

Jean : La problématique n’est pas la même. Un dessinateur, sauf exception, ne peut pas mener plusieurs projets de front. C’est pour ça que Laurent Verron a arrêté, il n’avait pas le temps de faire d’autres projets. C’est beaucoup plus contraignant et prenant. Le prochain album me prendra six mois. Ça coupe l’année en deux. Alors, je fais des couleurs pour des amis. Comme Katanga, plutôt cool à faire. Je me suis régalé. Le démarrage est sympa. Puis, je fais de la musique, de la peinture, de la pétanque. Puis, Boule et Bill nous ont quand même amené un confort de vie et une sécurité. Avec ma compagne, on est moins pris à la gorge. On a quand même passé des années compliquées. Et Christophe plus que moi. On était smicards, les fins de mois étaient difficiles.

Christophe : La BD a changé ma vie, c’est sûr. J’ai travaillé en grande surface pendant quatorze ans, à attendre que mes projets soient pris. Et c’est sûr que quand on se voit l’opportunité grâce à un éditeur de reprendre une grande série, c’est curieux. Je n’ai pas encore vraiment retouché terre. Quand je pars promener mon chien et que je rentre chez moi en disant : je vais faire du Boule et Bill, il y a quelque chose de bizarre dans la phrase ! Il y a un élément qui me perturbe.

Jean : Moi, non plus ! Pour le coup, même si j’ai beaucoup moins d’étoile dans les yeux que toi, je sais que c’est du patrimoine. Et je m’en rends compte de jour en jour au fil des rencontres avec les jeunes lecteurs, les enfants. C’est un truc qui me dépasse. Encore plus avec les outils marketing. Des PLV, des banderoles, je n’en avais jamais eus !

Christophe : On n’avait jamais été à Gembloux ! (Rire)

Jean : C’est quand même la ville réputée pour son… attends… agronomie…

Christophe : … et sa coutellerie ! Puis, ce soir, on rencontre Luce Roba, ça nous tenait à coeur en tant que repreneurs de Boule et Bill, on ne l’a encore jamais rencontrée.

Éh bien, que la rencontre soit belle alors ! Merci à tous les deux et bonne fin de voyage… en train !

Série : Boule et Bill (Facebook)

Tome : 38 – Symphonie en Bill majeur

D’après les personnages créés par Jean Roba

Scénario : Christophe Cazenove

Dessin : Jean Bastide

Couleurs : Jean Bastide et Luc Perdriset

Genre : Humour, Gag, Famille

Éditeur : Dargaud

Nbre de pages : 48

Prix : 10,95€

Publié le 04/12/2017.

Source : Alexis Seny